Блог - Биографии Художников

Клод Моне Биография

Клод Моне Биография

Алина    2018-06-01 14:05:00    биографии художников   

Художник (1840-1926 гг.)

Клод Моне-знаменитый французский художник, чье творчество дало название художественного направления импрессионизм, основанном на захвате света и естественных форм.

Синопсис

Клод Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже, Франция. Он поступил в Академию Свисс. После художественной выставки в 1874 году критик оскорбительно назвал стиль Моне «импрессионизм», поскольку он больше интересовался формой и светом, чем реализмом, и этот термин запомнился. Моне боролся с депрессией, нищетой и болезнями на протяжении всей своей жизни. Он умер в 1926 году.

Ранняя жизнь и карьера

Один из самых известных художников в истории искусства и ведущая фигура в движении импрессионистов, чьи работы можно увидеть в музеях по всему миру, Оскар Клод Моне (некоторые источники говорят, Клод Оскар) родился 14 ноября 1840 года в Париже, Франция. Отец Моне, Адольф, занимался семейным морским бизнесом, в то время как его мать, Луиза, была домохозяйкой. Талантливая певица Луиза также любила поэзию и была идеальной хозяйкой.

В 1845 году, в возрасте 5 лет, Моне вместе с семьей переехал в Гавр, портовый город в Нормандии. Он вырос со своим старшим братом, Леоном. Хотя он, был порядочным студентом, Моне не нравилось сидеть в классе. Он рвался на волю. В раннем возрасте у Моне развилась любовь к рисованию. Он обрисовал свои учебники эскизами людей, в том числе карикатурами на своих учителей. В то время как его мать поддержала его творческие усилия, отец Моне хотел, чтобы он ушел в бизнес. Моне сильно пострадал после смерти его матери в 1857 году.

В обществе, Моне стал хорошо известен своими карикатурами и рисунками многих жителей города. После встречи с Юджином Будином, местным художником-пейзажистом, Моне начал в своей работе уделять внимание природному миру. Будин приучил его к живописи на открытом воздухе, или пленэрной живописи, которая позже станет краеугольным камнем работы Моне.

В 1859 году Моне решил переехать в Париж, чтобы продолжить свое искусство. Там он находился под сильным влиянием картин Барбизонской школы и поступил в качестве студента в Академию Свисс. В это время Моне встретил товарища художника Камиля Писсарро, который станет близким другом на протяжении многих лет.

С 1861 по 1862 года, Моне служил в армии в Алжире, но вскоре был освобожден по состоянию здоровья. Вернувшись в Париж, Моне учился у Шарля Глейра. Через Глейра Моне познакомился с несколькими другими художниками, такими как Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль, они стали друзьями. Он также получает советы и поддержку от Иоганна Бартольда Джонкинда, пейзажиста, который оказал важное влияние на молодого художника.

Моне нравилось работать на открытом воздухе и иногда эти живописные приключения сопровождались Ренуаром, Сислеем и Базилем. Моне получил признание в Салоне 1865 года, ежегодном художественном шоу в Париже, на шоу были выбраны две его картины морских пейзажей. Хотя работы Моне получили некоторую критическую оценку, он все таки заработал кое-какие финансы.

В следующем году Моне был снова отобран для участия в Салоне. На этот раз чиновники выбрали пейзаж и портрет Камиллы (другое название Женщина в зеленом), в котором фигурировала его возлюбленная и будущая жена, Камиль Донсье. Донсье была из бедной семьи и существенно моложе Моне. Она служила музой для него, изображенная на многочисленных картинах в течение всей ее жизни. Пара с трудом родила своего первенца, Жана, в 1867 году. Моне был в тяжелом финансовом положении, и его отец не желал ему помогать. Моне был в отчаянии вплоть до того, что в 1868 году он предпринял попытку самоубийства, пытался утопиться в реке Сена.

К счастью, Моне и Камилле вскоре повезло: Луи-Иоахим Гуадиберт стал покровителем работ Моне, и это позволило художнику продолжить свою работу и заботиться о семье. Моне и Камилла поженились в июне 1870 года, а после начала Франко-прусской войны, парочка сбежала с сыном в Лондон, Англия. Там Моне встретил Дюран-Рюэля, который стал его первым арт-дилером.

Вернувшись во Францию после войны, в 1872 году, Моне в конце концов поселился в Аржантее, промышленном городе к западу от Парижа, и стал развивать свою собственную технику. Во время его пребывания в Аржантее, Моне встречался со многими своими друзьями-художниками, в том числе Ренуаром, Писсарро и Эдуардом Мане, который, в более позднем интервью по словам Моне, сначала ненавидел его, потому что люди путали их имена. Вместе с несколькими другими художниками, Моне помог сформировать несколько сообществ: Société Anonyme des Artistes, Peintres, Sculpteurs, Graveurs, где они в качестве альтернативы Салону выставляли свои работы.

Моне иногда был расстроен своими работами. Он уничтожил ряд картин, по различным оценкам это могло быть более 500 работ. Моне просто сжигал, резал или выбрасывал свои работы. В дополнение к этим вспышкам гнева, он страдал от приступов депрессии и неуверенности в себе.

Мастер света и цвета

Выставка апреля 1874 года для общества оказалась революционной. На одном из самых известных произведений Моне в шоу "Впечатление. Восход Солнца" (1873), изображена гавань Гавра в утренний туман. Критики использовали термин «Импрессионисты», для того чтобы назвать отдельную группу художников, имея ввиду, что их работа скорее напоминала эскизы, чем готовые картины.

В то время этот термин, по-видимому должен был быть уничижительным. Моне стремился передать суть природы, используя яркие цвета и смелые, короткие мазки, он и его соратники отворачивались от смешанных цветов и плавности классического искусства. Моне также привнес элементы промышленности в свои пейзажи, продвигая форму и делая ее более современной. Моне начал выставляться вместе с импрессионистами, после их первой выставки в 1874 году, и продолжал до 1880 года.

В личной жизни Моне в это время происходили трудности. Его жена заболела во время второй беременности (их второй сын, Мишель, родился в 1878 году), и ее здоровье продолжало ухудшаться. Моне нарисовал ее портрет на смертном одре. Перед ее уходом, к Моне переезжают жить с Эрнест и Элис Ошеде со своими шестью детьми.

После смерти Камиллы, Моне нарисовал несколько мрачных картин известных под серией Ледоход. Он приблизился к Элис, и в конце концов у них завязались романтические отношения. Эрнест проводил много времени в Париже и в конце-концов бросил свою семью и уехал в Бельгию. Моне и Элис переехали со своими детьми в 1883 году в Живерни, место, которое будет служить источником вдохновения для художника и окажется его последней обителью. После смерти Эрнеста, Моне и Алиса поженились в 1892 году.

Моне приобрел финансовый и переломный успех в конце 1880-х и 1890-х годах, написав серию картин, которые сделали его известным. В Живерни, он любил рисовать на открытом воздухе в саду, который помогал ему творить. Кувшинки в пруду имели особую привлекательность для него, и он нарисовал несколько серий на всю оставшуюся жизнь. Японский мостик над прудом также стал предметом нескольких работ. (В 1918 году, Моне подарил 12 его картин с кувшинками народу Франции, чтобы отпраздновать Перемирие.)

Иногда Моне путешествовал, чтобы найти другие источники вдохновения. В начале 1890-х, он снимал комнату напротив Руанского собора, в северо-западной Франции, и написал серию работ, посвященных структуре. На разных картинах были изображены здания в утреннем свете, в полдень, в серую погоду и т.п., эти повторы являются результатом глубокого увлечения Моне светом.

Так же в соборе, Моне написал несколько вещей неоднократно, пытаясь выразить влияние определенного времени суток, на пейзаж или место. Он также сосредоточил изменения, которые свет сделал на формах стогов сена и тополей в двух разных сериях живописи в это время. В 1900 году Моне приехал в Лондон, где река Темза захватила его художественное внимание.

В 1911 году, Моне впал в депрессию после смерти своей любимой Элис. В 1912 году у него появилась катаракта на правом глазу. В мире искусства, Моне был в ногу с авангардом. Импрессионисты в в какой-то мере вытеснялись Кубизмом, во главе с Пабло Пикассо и Жоржем Браком.

Но в работах Моне все еще был большой интерес . В течение этого периода Моне начал выпускную серию из 12 картин, выполненных по заказу Orangerie des Tuileries, музея в Париже. Он решил сделать их в очень большом масштабе для заполнения специальных мест в музее. Он хотел, чтобы работы служили «убежищем мирной медитации», полагая, что образы успокоят «перегруженные нервы» посетителей

Его проект Orangerie des Tuileries поглощал большую часть времени в последние года жизни Моне. В письме к другу, Моне писал, что "Эти пейзажи с водой и размышления стали для меня навязчивой идеей. Это выше моих сил, ведь я уже старик, но все же я хочу показать то, что я чувствую." Здоровье Моне также оказалось препятствием. Почти слепой, оба глаза серьезно пострадали от катаракты, Моне, наконец, согласился на операцию по болезни в 1923 году.

Спустя Годы

Моне боролся с депрессией в последние годы своей жизни. Он написал одному другу: «Возраст и огорчение меня измучили. Моя жизнь была всего лишь неудачей, и все, что осталось мне, - это уничтожить мои картины, прежде чем я исчезну». Несмотря на его чувство отчаяния, он продолжал работать над своими картинами до последних дней.

Моне умер 5 декабря 1926 года, в своем доме в Живерни. Он писал: "единственная моя заслуга заключается в том, что я рисовал прямо на природое, стремясь делиться своими впечатлениями о наиболее мимолетные эффектах". Большинство историков искусства считают, что Моне добился большего, чем это: он помог изменить мир живописи, избавил его от условностей прошлого. Путем растворения форм в своих работах Моне открыл дверь для дальнейшей абстракции в искусстве, ему приписывают влияние на более поздних художников таких, как Джексон Поллок, Марк Ротко и Виллем де Кунинг.

Начиная с 1980 года в Живерни в доме Клода Моне размещается Фонд Клода Моне.

.

еще...

Диего Ривера Биография

Диего Ривера Биография

Алина    2018-05-31 14:05:00    биографии художников   

Художник (1886-1957 гг.)

Художник-монументалист Диего Ривера стремился создать искусство, которое отражает жизнь рабочего класса и коренных народов Мексики.

Синопсис

Родился 8 декабря 1886 года в городе Гуанахуато, Мексика. Диего Ривера стремился создать искусство, которое отражает жизнь Мексиканского народа. В 1921 году, в рамках государственной программы, он начал серию росписей в общественных зданиях. Некоторые были спорными, его "Человек на перекрестке" в здании New York City's RCA, на которой был изображен портрет Ленина, была уничтожена семьей Рокфеллеров.

Ранняя Жизнь

В настоящее время считается одним из ведущих художников 20-го века, Диего Ривера родился 8 декабря 1886 года в городе Гуанахуато, Мексика. Его страсть к искусству возникла в раннем детстве. В возрасте около 10 лет, Ривера отправился изучать искусство в Академию Художеств Сан-Карлос в Мехико. Одним из его ранних увлечений был художник Хосе Посада, который управлял типографией возле школы Риверы.

В 1907 году, Ривера отправился в Европу, чтобы продолжить свое художественное образование. Там он подружился с многими ведущими художниками того времени, в том числе Пабло Пикассо. Ривера также удалось посмотреть известные произведения Поля Гогена и Анри Матисса.

Известный Монументалист

Диего Ривера имел некоторый успех как Кубист в Европе, но ход мировых событий сильно изменить стиль и тему его работы. Вдохновленный политическими идеалами мексиканской революции (1914-15 гг.) и русской революции (1917 г.), Ривера хотел создать искусство, которое отражает жизнь рабочего класса и коренных народов Мексики. Он проявлял интерес к изготовлению фресок во время поездки в Италию, черпая вдохновение во фресках эпохи Возрождения.

Вернувшись в Мексику, Ривера начал выражать свои художественные идеи о Мексике. Он получил финансирование от правительства на создание серии фресок о людях, стране и ее истории на стенах общественных зданий. В 1922 году, Ривера завершил первую роспись в школе Escuela Nacional Preparatoria в Мехико.

Известны многочисленные интрижки с женщинами. Ривера взял в жены художника Фриду Кало в 1929 году. В браке он уже был дважды, прежде чем женился на Кало, она была моложе его на 20 лет, а он имел несколько детей от прошлых браков. Ривера и Кало объединял общий интерес к радикальной политике и марксизму.

Коммерческий успех

В 1930-х и 40-х годах, Диего Ривера нарисовал несколько фресок в Соединенных Штатах. Некоторые из его работ вызвали споры, особенно та, которую он сделал для семьи Рокфеллеров в здании RCA в Нью-Йорке. На росписи, известной как «Человек на перекрестке», был изображен портрет русского коммунистического лидера Владимира Ленина. Сообщается, что художник включил Ленина в роспись, чтобы изобразить бурную политическую атмосферу того времени, которая во многом определялась противоречиями капиталистической и социалистической идеологий и нагнетание страхов вокруг Коммунистической партии. Рокфеллерам не понравился фрагмент с Лениным и они попросили Риверу убрать его, но художник отказался. Тогда Рокфеллеры потребовали от Риверы прекратить работу над фреской.

В 1934 году Нельсон Рокфеллер распорядился снести роспись "Человек на перекрестке". Ответная реакция против Рокфеллеров не заставила себя долго ждать, они долго провозглашали свою безграничную преданность искусству, но теперь могущественная семья была выставлена как лицемеры и тираны. Позже Джон Д. Рокфеллер-младший пытался объяснить уничтожение росписи, заявив, что "картина была непристойной, и, по мнению Рокфеллеровского Центра, оскорблением хорошего вкуса. Именно по этой причине Рокфеллер-центр решил уничтожить ее".

Дальнейшая жизнь и работа

В конце 1930-х годов у Риверы был в плане работы малопродуктивный период. У него нет крупных панно в это время, так что он посвятил себя живописи и другой работе. В 1939 году Ривера и Кало решили развестись, хотя у них всегда были бурные отношения. Но в следующем году пара воссоединится и снова поженятся. В этот период пара принимала в своем доме коммунистического изгнанника Льва Троцкого.

Ривера нарисовал одно панно для Международной выставки "Золотые ворота" 1940 года в Сан-Франциско. В Мехико, он провел с 1945 по 1951 года, работал над серией фресок, известных как "От до испанской цивилизации к завоеванию." Свою последнюю картину он назвал "Популярная История Мексики".

Личная жизнь и смерть

Жена Диего Ривера, Фрида Кало умерла в 1954 году. В следующем году он женился на Эмме Уртадо, она была арт-дилером. К этому времени, здоровье Риверы пошатнулось. Он выезжал за рубеж для лечения рака, но врачи не смогли его вылечить. Диего Ривера скончался от сердечной недостаточности 24 ноября 1957 года в Мехико, Мексика.

После его смерти, Диего Ривера помнят, как важную фигуру в искусстве 20-го века. Его родной дом в Мексике теперь оборудован как музей. Его жизнь и отношения с Фридой Кало остаются предметом восхищения и спекуляций. На большом экране актер Рубен Блейдс изобразил Риверу в фильме «Колыбель Уилл Рок» в 1999 году. Позднее Альфред Молина возродил Риверу, снявшись вместе с Сальмой Хайек в знаменитом биографическом фильме "Фрида" 2002 года.

еще...

Дэмиен Херст Биография

Дэмиен Херст Биография

Алина    2018-05-30 14:05:00    биографии художников   

Художник, Скульптор (1965–)

Британский художник Дэмиен Херст шокировал и удивил мир искусства своими необычными работами, стеклянными инсталляциями мертвых животных и скульптурами медицинских кабинетов.

Синопсис

Успешный и скандальный художник Дэмиен Херст родился в Бристоле, Англия, 7 июня 1965 года. На протяжении 1980-х и 1990-х годов он стал ведущей фигурой в движении "Молодые Британские Художники" . Его работы, которые включают инсталляции с мертвыми животными и картины спин-арт, продаются по исключительно высоким ценам. Херст является одним из самых богатых художников, живущих сегодня.

Ранние Годы

Воспитанный католиком, Дэмиен Херст вырос в Лидсе. Его раннее религиозное образование позже повлияло на его произведения. Он рано проявил интерес к ужасным и отвратительным аспектам жизни. Его мать позже описала его как болезненного ребенка.

Будучи подростком, Херсту нравилось смотреть на иллюстрированные книги патологии, его увлекали изображения болезней и травм. Он также проявил интерес к рисованию, и его мать поддержала эту страсть. Его отец, автомеханик, оставил семью, когда ему было всего 12 лет.

Еще подростком, Херст, попал в беду, и дважды был пойман за кражу. Несмотря на его порой дикое поведение, он все-таки поступил в колледж. Херст изучал искусство в Голдсмит-колледже лондонского университета. Находясь там, он организовал новаторскую выставку под названием "Замерзшие" в 1988 году. На шоу были представлены произведения Фионы Рэй, Сары Лукас и других, а также свои собственные.

Херст и его сокурсники стали частью нового движения, известного как "Молодые Британские Художники". Они славились своими необычными материалами и сложными художественными концепциями. Одна из ранних работ Херста, "С мертвой головой", иллюстрирует его интерес к смерти и шокировало арт-истеблишмент. На фотографии художник, с огромной улыбкой на лице, позирует рядом с отрубленной головой в морге.

Хотя не все были в восторге от его работ, Херст получил поддержку от Чарльза Саатчи, рекламного титана и коллекционера. Саатчи оказывал финансовую помощь Херсту, а также начал собирать произведения Херста, это тоже способствовало повышению репутации художника. Саатчи приобрел две скульптуры медицинского кабинета Херста, которые, по словам одного из критиков, позднее составили "созвездие натюрмортов, выражающих и отражающих человеческий организм как область уязвимостей и положительных медицинских вмешательств".

Карьерный Прорыв

В 1991 году состоялась первая персональная выставка Херста на Вудсток-Стрит галерее в Лондоне. Он также участвовал в шоу "Молодых Британских Художников" в галерее Саатчи в следующем году. Там он продемонстрировал инсталляцию "Физическая невозможность смерти в сознании живущего", это 14-метровый стеклянный резервуар с акулой в формальдегиде. Акула была приобретена у австралийского рыбака.

Херст продолжил будоражить мир искусства своими работами в 1993 году на Венецианском Биеннале, известной международной художественной выставке. Там он показал "Мать и ребенок разделены," инсталляция, в которой находились разделенные корова и ее теленок, отображаемая в четырех витринах или стеклянных корпусах, заполненных формальдегидом. С его противоречивыми и иногда ужасными работами, Херст стал одним из самых известных художников в Великобритании. Он выиграл престижную премию Тернера в 1995 году. "Это удивительно, что можно сделать с E на A-Level art, извращенным воображением и бензопилой",сказал Херст в своей речи.

Несмотря на то, что его карьера процветала, не каждая выставка проходила так, как планировалось. Он хотел привести гниющий крупный рогатый скот на выставку в Нью-Йорке в 1995 году, но его остановили власти города. Херст, однако, был тепло принят, в следующем году на шоу в Нью-Йоркской галерее Гагосяна.

В дополнение к его стеклянным резервуарам , Херст делал картины и скульптуры. Он показал свой интерес к фармакологии с таким полотном, как "Клейкая картина с контролируемыми веществами" (1994 г.). Работа была частью серии, известной как пятнистые картины, но Херст только нарисовал несколько из них. У него были другие художники, которые исполняли его видения, как это делал Энди Уорхол.

Бизнес в искусстве

В дополнение к творческой фантазии, Херст оказался успешным бизнесменом. Он поставил на кон свою славу и известность в арт-империи, став одним из самых богатых живущих сегодня художников. Некоторые сравнивают его с Джаспером Джонсом и Джеффом Кунсом за способность диктовать огромные цены за свои работы.

В 2008 году Херст выставил свои работы на аукцион в обычной галерее непосредственно для населения. Распродажа, под названием "Прекрасное в моей голове навсегда" состоялась на аукционе Сотбис в Лондоне и принесла около 198 миллионов долларов. Хёрст также хорошо заработал на продаже принтов и других предметов, несущих некоторые своеобразные фирменные стили и изображения через свою компанию «Другие критерии».

Более Поздние Работы

Херст продолжает раздвигать границы искусства. В 2007 году он обнародовал "Во имя любви Господа", сверкающий, инкрустированный бриллиантами череп из платины. Многие критики были впечатлены этим "торжеством над смертью", как описал его Херст . Другие удивились ожидаемой продажной цене в 100 миллионов долларов. Возможно, это признак снижения интереса к его работам, никто поначалу не покупал череп. Позднее он был куплен группой, в которую входили галерея Hurt и London White Cube.

Херст выставил группу картин «Без любви», «Синие картины», которые спровоцировали гнев многих критиков, охарактеризовавших их «тупыми» и «дилетантскими». Многие из этих работ вдохновили одного из его любимых художников Фрэнсиса Бэкона, что привело к некоторым невыгодным сравнениям.

Сейчас, Херст не собирается останавливаться . Он участвует в выставках по всему миру. Снова делает искусство более доступным, Херст запустил собственную линию скейтбордов в 2011 году.

Личная Жизнь

Херст и его американская подруга живет в Девоне, Англия, со своими тремя сыновьями.

еще...

Сальвадор Дали Биография

Сальвадор Дали Биография

Алина    2018-05-29 14:05:00    биографии художников   

Художника (1904-1989 гг.)

Испанский художник, икона сюрреализма Сальвадор Дали, пожалуй, наиболее известен своей картиной "Постоянство памяти".

Кто Был Сальвадор Дали?

Сальвадор Дали родился 11 мая 1904 года в Фигерасе, Испания. С раннего возраста Дали практиковался в живописи, и в конечном итоге поступил на учебу в Академию в Мадриде. В 1920-х годах он уехал в Париж и начал общаться с такими художниками, как Пикассо, Магритта и Миро, это сотрудничество привело Дали к первой фазе сюрреалиста. Самая известная его картина: Постоянство памяти (1931 г.), на которой изображены тающие часы в ландшафтной обстановке. Приход в Испании к власти фашистского лидера Франсиско Франко привел к уходу художника из сюрреалистического движения, но он не переставал писать. Дали умер в городе Фигерас в 1989 году.

Ранняя Жизнь

Сальвадор Дали родился (полное имя Сальвадор Доме́нек Фелип Жасинт Дали и Доме́нек, маркиз де Дали де Пу́боль) родился 11 мая 1904 года в Испании, в городе Фигерас, расположенном в 16 км от французской границы, в предгорьях Пиренейских гор. Его отец, Сальвадор Дали Куси, представлял средний класс и работал юристом и нотариусом. Отец Сальвадора отличался строгим дисциплинарным подходом к воспитанию детей. Этот стиль воспитания резко контрастировал с его матерью, Фелипой Доменеч Феррес. Она часто поощряла молодого Сальвадора в его искусстве и ранних эксцентриситетах.

Имеются сведения о том, что молодой Сальвадор был одаренный и умный ребенок, подверженный приступам гнева против своих родителей и одноклассников. Поэтому, Дали подвергался яростным актам жестокости со стороны доминирующих студентов и своего отца. Старший Сальвадор не мог терпеть выходки и чудачества своего сына, и жестоко наказывал его. Их отношения ухудшились, когда Сальвадор был еще молод, обостряется конкуренция между ним и его отцом за любовь Фелипы.

У Дали был старший брат, родившийся за девять месяцев до его рождения, его тоже звали Сальвадор, но он умер от гастроэнтерита. Дали часто рассказывал, что, когда ему было 5 лет, родители отвели его к могиле своего старшего брата и сказали ему, что он был реинкарнацией своего брата. В метафизической прозе, которую он часто использовал, Дали вспоминал: «Мы похожи друг на друга, как две капли воды, но у нас были разные отражения». Он «был, вероятно, первой версией самого себя, но задумал слишком много в абсолюте».

Сальвадор, вместе со своей младшей сестрой Анной Марией и родителями, часто проводил время в их летнем доме в прибрежном поселке Кадакес. В раннем возрасте, Сальвадор рисовал весьма сложные рисунки, и его родители всячески поддерживали его художественный талант. Именно здесь родители построили ему арт-студию, прежде чем он поступил в художественную школу.

Узнав об огромном таланте сына, родители Сальвадора Дали в 1916 году отправили его в школу рисования в Colegio de Hermanos Maristas и Instituto в Фигерас, Испания. Он не был серьезным студентом, предпочитал на уроках мечтать и выделялся чудаковатостью, носил разную одежду и длинные волосы. После первого года в художественной школе, он познакомился с современнной живописью в Кадакесе, отдыхая там с семьей. Там он также встретился с Рамоном Пишо, местным художником, который часто бывал в Париже. В следующем году его отец организовал выставку рисунков Сальвадора углем в своем доме. В 1919 г. у молодого художника была его первая публичная выставка в муниципальном театре Фигераса.

В 1921 году, мать Дали, Фелипа, умерла от рака молочной железы. Дали было 16 лет, и он был опустошен потерей. Его отец женился на сестре своей покойной жены, которая не подпускала молодого дали ближе к отцу, хотя он уважал свою тетку. Отец и сын, на протяжении всей своей жизни, спорили по множеству различных вопросов, вплоть до смерти старшего Дали.

Художественная школа и сюрреализм

В 1922 году дали поступил в Академию Сан-Фернандо в Мадриде. Он остался жить в студенческой резиденции школы и перешел в своей неординарности на новый уровень, отрастил длинные волосы и бакенбарды, стал одеваться в стиле английских эстетов конца 19 века. В это время он находился под влиянием различных художественных стилей, в том числе Метафизики и Кубизма, этим он заслужил внимание от своих сокурсников—хотя, скорее всего, он еще не совсем понимал Кубизм.

В 1923 году Дали был отчислен из академии за критику своих учителей и, якобы, был зачинщиком бунта среди студентов академии по выбору преподавателя. В том же году он был арестован и не надолго заключен в тюрьму в Герона за якобы поддержку сепаратистского движения, хотя Дали был вообще аполитичен в то время (и оставался таковым на протяжении большей части своей жизни). Он вернулся в Академию в 1926 году, но был навсегда изгнан из нее незадолго до выпускных экзаменов так как объявил, что ни один член факультета не был достаточно компетентен, чтобы принимать у него экзамены.

Во время учебы в школе, Дали изучал различные формы искусства, в том числе и классических художников, таких как Рафаэль, Бронзино и Диего Веласкес (от которого он перенял его фишку - завитые усы). Он также пробовал себя в авангардных художественных движениях, таких как Дадаизм, пост движение истеблишмента против Первой Мировой войны. Хотя аполитичный взгляд Дали на жизнь помешал ему стать строгим последователем, философия Дадаизма повлияла на его работу на протяжении всей его жизни.

В период между 1926 и 1929 гг., Дали совершил несколько поездок в Париж, где он знакомится с влиятельным художником и интеллектуалом Пабло Пикассо, которого он почитал. За это время, дали написал ряд произведений, в которых отображается влияние Пикассо. Он также встретил Жоан Миро, это испанский художник и скульптор, который, вместе с поэтом Поль Элюар и художником Рене Магритт, познакомят Дали с Сюрреализмом. К этому времени, Дали работал в стилях Импрессионизм, Футуризм и Кубизм. Картины Дали стали ассоциироваться с тремя общими темами: 1) вселенная и ощущения человека, 2) половой символизм и 3) идеографические изображения.

Все эти эксперименты привели Дали в 1929 году к первому сюрреалистическому периоду. Эти картины были маленькими коллажами из его образов сновидений. Его работы использовали дотошную классическую технику, под влиянием художников эпохи Возрождения, и противоречили пространству «нереальной мечты», созданному вперемешку со странными галлюцинаторными персонажами. Еще до этого периода, Дали был страстным читателем психоаналитической теории Зигмунда Фрейда. Основным вкладом Дали в сюрреализм было то, что он назвал "параноидально-критический метод", умственное упражнение с доступом в подсознание для усиления художественного творчества. Дали использовал этот метод для создания реальности из своих мечтаний и подсознательных мыслей, таким образом мысленно изменяя реальность, к тому, что он хотел, и не обязательно, что это было. Для Дали это стало образом жизни.

В 1929 году во время сотрудничества с Луисом Бунюэлем Сальвадор Дали расширил свое художественное исследование в мире кино, в двух фильмах: "Андалузский пес" и "Золотой век" (1930 г.), первый из которых известен своим открытием сцены—имитация разрезания человеческого глаза с помощью бритвы. Искусство Дали проявилось несколько лет спустя в другом фильме, "Завороженный" Альфреда Хичкока (1945 г.), В ролях Грегори Пек и Ингрид Бергман. Картины Дали использовались в последовательности сновидений в фильме и помогали сюжету, давая ключ к решению тайны психологических проблем персонажа Джона Баллантайна.

В августе 1929 года дали встретил Елену Дмитриевну Дьяконову (иногда пишется как Елена Ивановна Дьяконова), русскую иммигрантку на 10 лет старше его. В то время она была женой писателя-сюрреалиста Поля Элюар. Вспыхнуло сильное психическое и физическое притяжение между Дали и Дьяконовой, и она вскоре покинула Элюар со своим новым любовником. Она, также известна как "Гала" Дьяконова, была для Дали музой и вдохновением, и в конечном итоге стала его женой. Она помогала балансировать, можно сказать, была противовесом, творческой силой в жизни Дали. С его дикими выражениями и фантазиями, он совершенно не мог справиться с деловой стороной жизни художника. Гала позаботилась о его юридических и финансовых вопросах, вела переговоры с дилерами и организаторами выставок. Они расписались во время гражданской церемонии в 1934 году.

К 1930 году Сальвадор Дали стал одиозной фигурой Сюрреалистического движения. Мария-Лаура де Ноал и Виконт и Виконтесс Чарльз были его первыми покровителями. Французские аристократы, муж и жена инвестировали в искусство авангарда в начале 20-го века. Одна из самых известных картин Дали, написанная в это время—и, пожалуй, самая известная работа-была Постоянство памяти (1931 г.). На картине, которую иногда называют мягкие часы, изображены расплавленные карманные часы в ландшафтной обстановке. Он сказал, что картина передает несколько идей в изображении, главным образом, что время не является постоянным и все в мире разрушается.

К середине 1930-х годов, Сальвадор Дали стал известен своей яркой индивидуальностью, как и его произведения, и, для некоторых искусствоведов, первое затмевает второе. Часто с упрямыми длинными усами, плащом и тростью, во время публичных выступлений Дали демонстрировал необычное поведение. В 1934 году арт-дилер Джулиан Леви представил Дали в Америке на Нью-йоркской выставке, вызвавшей довольно много споров. На балу в его честь Дали, появился в характерном ярком стиле, в стеклянной коробке на груди, в которой находился бюстгальтер

Изгнание из Сюрреалистов

Когда война приближалась в Европе к Испании, Дали схлестнулся с участниками движения сюрреалистов. Суд состоялся в 1934 году и Дали был исключен из группы. Он отказался выступить против испанских боевиков Франсиско Франко (как это сделали художники-Сюрреалисты Луис Бунюэль, Пикассо и Миро), но неясно, это ли событие непосредственно привело к его изгнанию. Официально Дали был уведомлен о том, что его изгнание было вызвано повторной «контрреволюционной деятельностью, связанной с празднованием фашизма при Гитлере». Также вероятно, что участники движения были в ужасе от некоторых публичных выходок Дали. Однако некоторые искусствоведы считают, что его изгнание было вызвано враждой с лидером сюрреалистов Андре Бретоном.

Несмотря на его изгнание из движения, Дали продолжал участвовать в нескольких международных выставках сюрреалистов в 1940-х годах. На открытии Лондонской выставки сюрреалистов в 1936 году, он выступил с лекцией под названием "Аутентичные параноидальные призраки", переодевшись в гидрокостюм, неся с собой бильярдный кий и прогуливаясь с парой русских волкодавов. Позже он сказал, что его наряд был изображением погружения в глубины человеческого разума.

Во время Второй Мировой Войны Дали и его жена переехали в Соединенные Штаты. Они там пробыли до 1948 года, а потом вернулись в свою любимую Каталонию. Это были важные годы для Дали. Метрополитен-музей Современного Искусства в Нью-Йорке организовал для него собственную ретроспективную выставку в 1941 году. За этим последовала публикация автобиографии "Тайная жизнь Сальвадора Дали" (1942 г.). Кроме того, в это время направленность Дали отошла от сюрреализма к классическому периоду. Его вражда с представителями сюрреалистического движения продолжилась, но Дали казался неустрашимым. Его постоянно расширяющийся разум отважился на новые темы.

Театр-Музей Дали

В течение следующих 15 лет, Дали нарисовал серию из 19 больших полотен, которые включали в себя научные, исторические и религиозные темы. Он часто называл этот период "ядерного мистицизма". За это время его работа приобрела технический блеск, сочетающий в себе тщательные детали с фантастическим и безграничным воображением. В своих картинах он включает оптические иллюзии, голографии и геометрии. Большая часть его работ содержали изображения божественной геометрии, ДНК, Гипер Куб,и религиозные темы целомудрия.

С 1960 по 1974, он посвятил много времени созданию театра-музея Дали в Фигерасе. В здании музея ранее размещался городской театр Фигераса, где Дали увидел его на публичном показе в 14 лет (оригинальная структура 19-го века были разрушены в конце Гражданской войны в Испании). Через дорогу от театра-музея Дали находится Церковь Сант-Пере, в которой Дали был крещен и получил свое первое причастие (его похороны позже состоятся там же), и всего в трех кварталах отсюда находится дом, где он родился.

Театр-музей Дали официально открыт в 1974 году. Новое здание было сформировано из руин старого и основано на одной из конструкций Дали, объявлено как самая большая в мире сюрреалистическая структура, содержащая ряд пространств, которые образуют единый художественный объект, где каждый элемент является неотъемлемой частью целого. Сайт также известен тем, что он обслуживает самый широкий спектр работ художника, начиная с его ранних художественных впечатлений и заканчивая работами, которые он создал в последние годы своей жизни. Несколько работ были созданы специально для по постоянного показа в музее.

Также в 1974-м году, Дали расторгнул свои деловые отношения с менеджером Питером Мур. В результате все права на его коллекцию были проданы без его разрешения другим бизнес-менеджерам, и он потерял большую часть своего богатства. Два богатых американских коллекционера, Рейнольдс А. Морзе и его жена, Элеонора, которые были знакомы с Дали с 1942 года создали организацию под названием "Друзья Дали" и фонд, чтобы финансово поддержать художника. Организация также создала музей Сальвадора Дали в Санкт-Петербурге, штат Флорида.

Последние Годы

В 1980 году, Дали был вынужден прекратить писать картины из-за расстройства моторики, вызвавшего постоянную дрожь и слабость в руках. Уже не в состоянии держать кисть, он потерял способность выражать себя так, как он умел лучше всего. Большая трагедия произошла в 1982 году, когда возлюбленная жена и друг, Гала, умерла. Эти два события ввели его в глубокую депрессию. Он переезжает в Пуболь, в замок, который он приобрел и реконструировал для Галы, возможно, скрываясь от общества или, как некоторые предполагают, чтобы умереть. В 1984 году Дали получил серьезные ожоги. Из-за этих травм, он был прикован к инвалидной коляске. Друзья, покровители и коллеги-художники, вывезли его из замка, вернули его в Фигерас, и комфортно разместили в театре-музее.

В ноябре 1988 года, Сальвадор Дали поступил в больницу в Фигерасе с сердцечным приступом. После быстрого выздоровления, он вернулся в театр-музей. 23 января 1989 года, в возрасте 84 лет, Дали скончался от сердечной недостаточности в городе своего рождения. Прощание с художником состоялось в театре-музее, где он был похоронен в склепе.

Дела об установлении отцовства и новая выставка

26 июня 2017 года, мадридский суд постановил эксгумировать тело Дали для установления отцовства. 61-летняя испанка по имени Мария Пилар Абель Мартинес утверждала, что у ее матери был роман с художником, когда она работала в качестве прислуги для его соседей в городе Порт-Льигат на северо-востоке Испании.

Судья распорядился, чтобы тело художника было эксгумировано из-за «отсутствия других биологических или личных останков» для сравнения с ДНК Мартинес. Фонд Гала-Сальвадор Дали , который управляет имуществом Дали, обжаловал решение, но эксгумация все таки произошла в следующем месяце. В сентябре, результаты анализа ДНК показали, что Дали не был отцом.

В октябре того же года художник упоминался в новостях с связи с анонсом выставки в музее Дали в Санкт-Петербурге, штата Флорида, в честь его дружбы и сотрудничества с итальянским модельером Эльзой Скиапарелли. Оба стали известны во время совместного создания "лобстер платья", которое носит американская светская львица Уоллис Симпсон, позже вышедшая замуж за английского короля Эдуарда VIII.

.

еще...

Камиль Писсарро Биография

Камиль Писсарро Биография

Алина    2018-05-25 14:05:00    биографии художников   

Художник (1830-1903 гг.)

Камиль Писсарро был французским художником-пейзажистом, известным благодаря его влиянию на живопись импрессионистов и пост-импрессионистов .

Кто Был Камиль Писсарро?

Камиль Писсарро родился 10 июля 1830 года на острове Сент-Томас. Переехав в Париж в молодом возрасте, Писсарро начал экспериментировать с искусством, и в конечном итоге способствует формированию импрессионизма со своими друзьями, в том числе Клодом Моне и Эдгаромм Дега. Писсарро был также активен в кругах пост-импрессионистов, продолжая писать вплоть до своей смерти в Париже 13 ноября 1903 года.

Ранняя Жизнь

Джейкоб-Абрахам Камиль Писсарро родился 10 июля 1830, в городке Сент-Томас датской Вест-Индии. Отец Писсарро был французским гражданином Португальского еврейского происхождения, ездил в Сент-Томас для того, чтобы помочь разобраться с имуществом своего покойного дяди, и женился на вдове своего дяди, Рейчел Помие Петит. Брак был спорный и не сразу признался небольшой Еврейской общиной, где они жили. В результате, дети Писсарро росли непризнанными.

В возрасте 12 лет, Писсарро был отправлен родителями в школу-интернат во Франции. Там он получил раннюю признательность французских мастеров искусства. После завершения своего образования, Писсарро вернулся в Сент-Томас, и хотя он изначально стал заниматься товарно-сырьевым бизнесом своей семьи, он никогда не переставал рисовать в свободное время.

Карьера

В 1849 году Писсарро познакомился с датским художником Фрицем Мелби, который всячески поощрял его в художественных начинаниях. В 1852 году Писсарро и Мелби оставили Сент-Томас и переехали в Венесуэлу, где они жили и работали в ближайшие несколько лет. В 1855 году Писсарро вернулся в Париж, где учился в школе изящных искусств, Академии Свисс и тесно сотрудничал с художниками Камилем Коро и Гюставом Курбе, оттачивая свое мастерство и экспериментируя с новыми подходами к искусству. Писарро в конце концов сошелся с группой молодых художников, разделяющих его интересы и взгляды, в том числе Клодом Моне и Полем Сезанн. Работы этих художников не были приняты французским художественным истеблишментом, что исключило нетрадиционную живопись на официальных выставках Салона.

Хотя у Писсарро была студия в Париже, он проводил большую часть своего времени на окраине города. Как и многие его современники, он предпочитал работать на открытом воздухе, а не в студии, рисовать сцены из деревенской жизни и естественный мир. В течение этого периода, он стал встречаться с горничной своей матери, Джули Велли, с ней потом он будет иметь восемь детей и в конце концов женится в 1871 году. Однако, их начавшаяся семейная жизнь была прервана Франко-прусской войной 1870-71 гг., которая заставила их бежать в Лондон. Возвращаясь в свой дом во Франции в конце конфликта, Писсарро обнаружил, что большинство его работ были уничтожены.

Но Писсарро быстро забыл об этом. Вскоре он воссоединился со своими друзьями-художниками: Сезанном, Моне, Эдуардом Мане, Пьером Огюстом Ренуаром и Эдгаром Дега. В 1873 году, Писсарро создал коллектив из 15 художников с целью предложить альтернативу в Салон. В следующем году группа провела свою первую выставку. Нетрадиционное содержание и стиль, представленные на шоу шокировали критиков и помогли определить импрессионизм как художественное движение. На этот раз, Писсарро выставил пять картин в шоу, в том числе Хоар Фрост и Старый путь в Эннири. Группа проведет еще несколько выставок в течение ближайших лет, хотя они начали медленно отдаляться друг от друга.

Более поздние годы и смерть

В 1880-м году, Писсарро переходит к пост-импрессионизму, возвращаясь к некоторым из его более ранних тем и изучая новые методы, такие как пуантилизм. Он также познакомился с художниками Жоржем Сера и Полем Синьяк, и был ранним поклонником Винсента Ван Гога. Несмотря на его пожизненный интерес к инновациям, отказ Писсарро от импрессионизма способствовал общему спаду движения, на которое он оказал большое влияние.

В последние годы жизни Писсарро страдал от повторного заражения глаз, которое мешало ему работать на открытом воздухе в течение большей части года. В результате этой инвалидности, он часто писал, глядя из окна гостиничного номера. Умер Писсарро в Париже 13 ноября 1903 года, и похоронен на кладбище Пер-Лашез.

Последние Новости

Спустя более чем столетие после его смерти, Писсаро упоминался в новостях в связи с событиями, связанными с его работой Сбор Гороха 1887 года. В 1943 году, во время немецкой оккупации Франции, французское правительство конфисковало картину у владельца еврея Симона Боэра. Позднее она была приобретена в 1994 году Брюсом и Робби Толл, американской парой известной своей причастностью к миру искусства.

После того, как Толл предоставила Сбор Гороха музею Мармоттан в Париже, потомки Боэра, подали иск на ее возвращение. В ноябре 2017 года, французский суд постановил, что картина принадлежит семье Боеров.

еще...

Чак Клоуз Биография

Чак Клоуз Биография

Алина    2018-05-24 14:05:00    биографии художников   

Художник, педагог (1940 -)

Чак Клоуз известен своими изобретательными методами, используемыми для рисования человеческого лица. Он стал известным в конце 1960-х годов благодаря своим масштабным фотореалистичным портретам.

Кто такой Чак Клоуз?

Чак Клоуз родился 5 июля 1940 года в Монро , Вашингтон. Страдая от тяжелой дислексии, Клоуз плохо учился в школе, но нашел утешение в искусстве. После получения своего MFA из Йельского университета в 1964 году он занял одно из топовых мест в американском мире искусства, создавая крупномасштабные фотореалистичные портреты, размывающие различия между фотографией и живописью.

Ранняя жизнь

Чарльз Томас Клоуз родился 5 июля 1940 года в Монро, штат Вашингтон. Сын родителей художников, которые поддерживали ранние творческие интересы своего мальчика. Чак из-за тяжелой дислексии, изо всех сил старался практически по всем предметам школьной программы, кроме искусства. Он не был очень популярен в школе, и его проблемы усугубляло нервно-мышечное состояние, которое мешало ему заниматься спортом.

В течение первого десятилетия своей жизни детство Чака было более или менее стабильным. Но когда ему исполнилось 11 лет, произошла трагедия, его отец умер, а его мать заболела раком молочной железы. В то же время, собственное здоровье Клоуза пошатнулось, инфекция почек положила его в постель почти на год.

Тем не менее, все это углубило его любовь к живописи и искусству в целом. В возрасте 14 лет он увидел выставку картин Джексона Поллока. Стиль и чутье Поллока оказали большое влияние на Клоуза, и, как он позже рассказывал, он заставил его стать художником.

Образование и ранняя работа

В 1962 году он, в конце концов, закончил Вашингтонский Университет, и немедленно отправился на восток в Йель, чтобы учиться у мастера изобразительных искусств в Школе искусства и архитектуры университета.

В значительной степени погрузившись в абстрактный мир, Клоуз в Йеле радикально изменил свое направление, выбрав то, что станет его фирменным стилем: фотореализм. Используя процесс, который он описывал как «вязание», Клоуз создавал широкоформатные Поляроиды моделей, которые он затем воссоздавал на больших холстах.

Эта ранняя работа была смелой, интимной и авангардной, повторяя конкретные детали избранных им лиц, фактически сделала их более привлекательными, если учесть, что Клоуз также страдает от неврологического состояния просопагнозии или слепоты лица, мешающей ему распознавать лица. Кроме того, его произведения размыли различие между живописью и фотографией так, как никогда раньше. Его методы также заслуживают внимания, в частности его применение цветов помогло проложить путь к созданию струйного принтера.

К концу 1960-х годов Клоуз и его фотореалистичные произведения укоренились на арт сцене Нью-Йорка. Одним из его самых известных увлечений того времени был еще один молодой талант, композитор Филипп Гласс, чей портрет был написан Клоузом и показан в 1969 году. С тех пор он стал одним из его самых узнаваемых произведений. Позже, среди прочих, он нарисовал хореографа Мерса Каннингема и бывшего президента Билла Клинтона.

В 1970-м работы Клоуза были показаны в лучших галереях мира, и он был широко признан одним из лучших современных художников Америки.

Паралич и настойчивость

В 1988 году Клоуз снова получил травму и тяжелые проблемы со здоровьем, после того когда он перенес внезапный разрыв позвоночной артерии. Вскоре после инцидента, Клоуза почти полностью парализовало. В конце концов, Клоуз, который окончательно был привязан к инвалидному креслу, после нескольких этапов физической терапии, начал частично двигать конечностями.

Несмотря на физические ограничения, Клоуз много работал. С помощью кисти, прикрепленной к его запястью, Клоуз продолжил рисовать, но в стиле, который был более абстрактным и менее точным. Его репутация и положение нисколько от этого не пострадали.

За годы, прошедшие с того момента, позиция Клоуза на вершине американского художественного мира остается неизменной, его работы были встречены восторженными отзывами и вознаграждены по достоинству. В 2000 году президент Клинтон вручил Клоузу Национальную Медаль Изобразительного искусства. В 2007 году его жизнь стала темой полнометражного документального фильма «Чак Клоуз: портрет в движении» режиссера Марион Кажори.

Личное

Клоуз развелся с первой женой, Лесли, в 2011 году. Два года спустя он женился на художнике Сиенне Шилдс.

В конце 2017 года Клоуз обнаружил себя среди расширяющегося списка влиятельных мужчин, обвиняемых в сексуальных проступках. Обвинения, как правило, включали в себя то, что художник просил женщин позаботиться о нем и делал грубые комментарии об их частях тела.

«В последний раз, когда я смотрел, дискомфорт не был серьезным преступлением», - сказал он в защиту своих действий. «Я никого не доводил до слез, никто никогда не убегал с места. Если я смутил кого-нибудь или заставил их чувствовать себя некомфортно, я действительно сожалею, я не хотел. Я признаю, что у меня грязный рот, но мы все взрослые люди."

еще...

Ян Вермеер Биография

Ян Вермеер Биография

Алина    2018-05-23 14:05:00    биографии художников   

Живописец (1632 – 1675 гг.)

Художник голландского золотого века Ян Вермеер наиболее известен своими Делфтскими картинами, в том числе "Маленькая улица" и "Вид Делфта", а также "жемчужными картинами", например "Девушка с жемчужной сережкой'.

Кем был Ян Вермеер?

Ян Вермеер родился около 31 октября 1632 года в Делфте, Нидерланды. В 1652 году, присоединился к гильдии Делфтских художников. Он служил в качестве декана с 1662 по 1663 гг., и снова с 1669 по 1670 гг. К его ранним работам относится "Девушка спит за столом". Когда его стиль созрел, он написал картину "Маленькая улочка" и "Вид Делфта". После 1660, Вермеер написал свои "жемчужные картины," в том числе "Концерт" и "Девушка с жемчужной сережкой." Он умер в Делфте около 16 декабря 1675.

Ранняя Жизнь

Родился в Делфте, Нидерланды, около 31 октября 1632 г. Вермеер является одним из самых уважаемых голландских художников всех времен. Его работы были источником вдохновения и восхищения на века, но многое из его жизни остается загадкой. Его отец, Ренье, был выходцем из семьи ремесленников, в городе Дельфте, а его мать, Дигна, была фламандского происхождения.

После его крещения в местной церкви, информация о Вермеере, исчезает почти на 20 лет. Он скорее всего имел Кальвинистское воспитание. Его отец имел свою таверну и торговал картинами, и Вермеер унаследовал оба эти бизнеса после смерти отца в 1652 году. В следующем году Вермеер женился на Катерине Болнесс. Болнесс была католиком, и Вермеер обратился в ее веру. Пара переехала к ее матери, и в конечном итоге родили 11 детей.

Основные Труды

В 1653 г. Ян Вермеер зарегистрировался в Гильдии Делфта как мастер-художник. Нет никаких записей о том, кто его учил ремеслу, и где он учился, дома или за границей. Вермеер наверняка дружил с ведущим Делфтским живописцем Леонардо Брэмером, который стал одним из его ранних сторонников. Некоторые эксперты также считают, что Вермеер, возможно, был под влиянием творчества Рембрандта через одного из его учеников Карела Фабрициуса.

Влияние Караваджо проявляется в ранних работах Вермеера, в том числе "Сводница" (1656 г.). Художник также изображал мифологию в картине "Диана и ее спутники" (1655-56 гг.) и религию в "Христос в доме Марии и Марфы" (1655 гг.). К концу десятилетия начал появляться уникальный стиль Вермеера .

Многие работы Вермеера сосредоточены на домашних сценах, включая "Доярку" (1657-58гг.). Изображение женщины в разгар ее работы демонстрирует две характерные особенности: реалистичность визуализации фигур и предметов, и увлечение светом. Многие из его произведений излучают свет, в том числе портрет "Девушка с жемчужной сережкой" (1665 г.).

Вермеер пользовался некоторым успехом в Дельфте, продавая свои работы небольшому количеству местных коллекционеров. Он также, некоторое время, служил главой местной художественной гильдии. Однако, Вермеер не был известен за пределами своей общины в течении всей своей жизни.

Последние годы и Наследие

Ян Вермеер, в последние годы, боролся с бедностью, во многом благодаря тому, что голландская экономика сильно страдала после того, как страна была захвачена Францией, в 1672 году. Вермеер был в неоплатном долгу на момент его смерти. Он умер в Делфте около 16 декабря 1675 г.

После смерти, Вермеер стал всемирно известным художником, и его работы были развешены во многих известных музеях по всему миру. Несмотря на то, как сильно им восхищаются сегодня, Вермеер оставил после себя небольшое наследие с точки зрения реальной работы - около 36 картин были официально признаны его работами.

Одно из самых известных произведений Вермеера "Девушка с жемчужной сережкой" вдохновило Трейси Шевалье в 1999 году на написание романа, а также в 2003 на экранизацию этой книги.

В 2018 году Королевская картинная галерея Маурицхейс в Гааге, Нидерланды, должна была приступить к двухнедельному, неинвазивному исследованию картины "Девушка с жемчужной сережкой". За счет использования новых поисковых технологий, музей призван ответить на вековые вопросы о технологиях и материалах, используемых Вермеером для живописи.

еще...

Контакты

Алина Случинская, 41100 Украина, Сумская область, г. Шостка
Тел: +38-098-717-4496, +38-095-744-5399
Сайт: www.alina-arts-gallery.com
  • Facebook
  • Twitter
  • Etsy.com
  • Instagram
  • YouTube
  • VK
  • OK
  • Google+
  • Skype
  • Viber