Алина 2018-07-04 14:05:00 биографии художников
Жан-Мишель Баския родился 22 декабря 1960 года в Бруклине, Нью-Йорк. Он впервые обратил на себя внимание нарисовав граффити под названием "САОМИ" в Нью-Йорке. Он продавал толстовки и открытки со своими картинами на улицах, прежде чем началась его карьера живописца. Сотрудничество с Энди Уорхолом в середине 1980-х годов, позволило демонстрировать свои работы. Баския умер 12 августа 1988 года в Нью-Йорке.
Баския умер от передозировки наркотиков 12 августа 1988 года в Нью-Йорке. Ему было 27 лет.
В течение его жизни, любящая искусство публика, которая не испытывала никаких проблем с финансами, заплатила целых 50 000 долларов за оригинал Баскии. Однако в 2017 году японский миллиардер сломал рекорд, когда купил картину «Без названия» с нарисованным черепом в 1982 году за 110,5 млн долларов на аукционе "Сотбис".
В ранних работах, Баския известен использованием мотива короны, который был его способом прославлять черных людей, как величественный королевский двор или рассматривать их как святых.
Описывая его корону более подробно, художник Франческо Клементе утверждал: "корона Жан-Мишеля имеет три вершины, его трех королевских родов: поэт, музыкант, великий чемпион - боксер. Жан противоставлял свое мастерство всем, кого он считал сильными, без ущерба для их вкуса или возраста".
Режиссер и коллега Баския Джулиана Шнабел, сняла биографический инди-фильм "Баския", который был выпущен в 1996 году, в главных ролях снимались Джеффри Райт (Баския) и Дэвид Боуи (Уорхол).
Три года борьбы привели к славе в 1980 году, когда работы Баския были показаны на групповой выставке. Его творчество и стиль получили признание критиков за слияние слов, символов, фигур и животных. Вскоре его картинами стала восхищаться любящая искусство публика, у которой не было проблем заплатить целых 50 000 долларов за оригинал Баскии.
Его приход совпал с появлением нового направления в искусстве, Нео-экспрессионизм, положив начало волне новых, молодых и опытных художников, в число которых вошли Джулиан Шнабель и Сьюзен Ротенберг.
В середине 1980-х годов, Баския сотрудничал со знаменитым поп-художниким Энди Уорхолом, что ознаменовалось показом их работ, была представлена серия корпоративных логотипов и персонажей мультфильмов.
Сам Баския продолжал показываться по всей стране и миру. В 1986 году он отправился в Африку на выставку в Абиджане, Кот-д'Ивуар. В том же году 25-летний художник выставил почти 60 картин в галерее Кестнер Гезельшафт в Ганновере, Германия, став самым молодым художником, когда-либо демонстрирующим там свою работу.
Художник Жан-Мишель Баския родился в Бруклине, Нью-Йорк, 22 декабря 1960, от Гаитянско-американского отца и матери. Пуэрто-Рико с его разнообразным культурным наследием, был одним из источников вдохновения Баския.
Художник-самоучка, Баския начал рисовать в раннем возрасте на листах бумаги отца, бухгалтера, принесенной домой из офиса. Мать решительно поощряла его продолжать свои художественные эксперименты.
Баския в первую очередь привлекает внимание своими граффити в Нью-Йорке в конце 1970-х годов, под названием «САМО». Работая с близким другом, он пометил поезда метро и зданий Манхэттена загадочными афоризмами.
В 1977 году Баския бросил среднюю школу за год до выпуска. Чтобы свести концы с концами, он продавал толстовки и открытки с изображением его произведений на улицах своего родного Нью-Йорка.
Как росла его популярность так росли и личные проблемы Баския. К середине 1980-х годов друзья все больше беспокоились о чрезмерном употреблении наркотиков. Он стал параноиком и изолировал себя от мира вокруг него на долгое время. Отчаявшись избавиться от героиновой зависимости, он покинул Нью-Йорк и отправился на Гавайи в 1988 году, вернулся оттуда через несколько месяцев, утверждая, что здоров.
К сожалению, это было не так. Баския умер от передозировки наркотиков 12 августа 1988 года в Нью-Йорке. Ему было 27 лет. Хотя его художественная карьера была короткой, Жан-Мишель Баския привнес афро-американский и латиноамериканский опыт в элиту мирового искусства.
После его смерти художник снова оказался в центре внимания в мае 2017 года, когда Японский миллиардер купил “Без названия”, рисунок черепа, в 1982 за 110.5 миллионов долларов на аукционе "Сотбис". Продажа установила рекорд по самой высокой цене за произведение американского художника и за произведение, созданное после 1980 года. Это была также самая высокая цена за картину Баския и за картину написанную черным художником.
Алина 2018-07-03 14:05:00 биографии художников
Родившийся в Англии 10 ноября 1697, Уильям Хогарт начинал в частной школе рисования, где с другими студентами рисовал со слепков и с живой натуры. Его первая датированная картина - «Опера Нищего» (1728 г.), в которой подчеркиваются преобладающие интересы Хогарта: театральные и комические сюжеты. Хотя им никогда не пренебрегали, Хогарта в основном помнят за его сатирические гравюры больше, чем за его живопись. Он умер 26 октября 1764.
Уильям Хогарт родился 10 ноября 1697 года, в Смитфилде, Англии, был пятым ребенком в семье. Его отец, Ричард Хогарт, сделал необдуманный шаг в мире бизнеса с латиноамериканской кофейней, провал которой обанкротил семью и отправил старшего Хогарта в тюрьму должника. Оставшись практически сам по себе, Уильям Хогарт стажировался в серебряной мастерской, где он стал мастером гравировки и открыл свой собственный магазин для гравировки через семь лет (1720 г.).
Через магазин, Хогарт познакомился с сэром Джеймсом Торнхиллом, чья художественная академия в скором времени приняла Хогарта для обучения и стала местом единственного официального образования, которое Хогарт когда-либо получал.(Хогарт также женился на дочери Торнхилла, Джейн, в 1729 году.) В Академии Торнхилла, Хогарт создал серию иллюстраций Сэмюэля Батлера Hudibras и после этого продолжал делать гравюры с изображением сцен из театральных постановок, часто с сатирическим смыслом.
Хогарт вскоре начал повышать свою репутацию такими работами, как «Южно-морская схема» (1721 г.) и «Лотерея» (1721 г.). Десять лет спустя он стал чрезвычайно успешным с работами, «Прогресс Харлота» (1732 г.) и «Прогресс Рейка» (1734 г.).
С растущим успехом Хогарта появился растущий интерес к использованию его искусства для составления социальных и политических заявлений, часто направленных на урбанизацию Лондона и рост преступности. Работы, созданные в этой атмосфере, включают "Индустрия и безделье" (1747 г.), "Джин Лейн" (1751 г.) и «Четыре ступени жестокости» (1751 г.), которые, соответственно, охватывали протестантскую трудовую этику, алкоголизм и жестокость к животным
К 1762 году Хогарт обратился к антивоенной сатире, особенно в «Таймс», которая подняла гнев национальных политиков (и вызвала ответные выступления). К сожалению, «Таймс» станет началом конца творческого периода Хогарта, так как следующим летом у него случился приступ и он серьезно заболел. Хогарт умер в Лондоне 26 октября 1764 года в возрасте 67 лет.
Алина 2018-07-02 14:05:00 биографии художников
Джефф Кунс родился в Йорке, штат Пенсильвания, 21 января 1955 года, он сделал себе имя с помощью повседневных предметов в специальных установках, которые касались потребительства и человеческого опыта. Некоторые из его произведений состоят из откровенно сексуальных тем, в то время как другие воспринимаются как форма нео-китча, например, его собачки-шары. В 1988 году он дебютировал со знаменитой скульптурой Майкла Джексона.
Джефф Кунс родился 21 января 1955 года, в Йорке, штат Пенсильвания. После окончания школы, направился на юг в штат Мэриленд, где обучался в Колледже искусств штата Мэриленд в Балтиморе. Он посетил выставку в Музее Уитни в Нью-Йорке, выставку, которая изменила его жизнь.
«Я помню, что был студентом-искусствоведом и собирался в Уитни в 1974 году, но когда увидел выставку Джима Натта, мыслителя из Чикаго, - говорит Кунс. “Именно тогда я перевелся в школу в Чикаго, все из-за этого шоу”. Поэтому Кунс поступил в Институт искусств Чикаго, институт, который более 30 лет спустя предоставит ему почетную докторскую степень (2008 г.).
Первая выставка Кунса была поставлена в 1980 году, и он появился на арт-сцене со стилем, в котором смешивается несколько существующих стилей—поп, концептуальный, ремесло, что бы создать свой неповторимый способ выражения.
«Идеальный человек», Кунс теперь руководит своей студией, часто используя компьютерный дизайн и часто используя системы автоматизированного проектирования нанимая строителей специалистов, которые смогут воплотить в жизнь его идеи с большей точностью, чем он сам.
Его работы включают в себя как правило, злободневные темы, такие как, раса, пол и слава, и это воплощается в жизнь в таких формах, как воздушные шары, бронзовые спортивные товары и надувные игрушки для бассейнов. Его умение повышать престиж предметов, от предметов китча до высокого искусства сделало его имя синонимом искусства массовой культуры.
И трансформация, происходящая от поиска Кунсом объектов, которые он будет использовать в своем искусстве, часто порождает неожиданный психологический аспект, поскольку изменение цвета, масштаба и представления приобретает новый смысл, и зритель часто может найти что-то совершенно новое в том, как оживают люди, животные, очеловечеые предметы оживают.
Экспонаты Кунса всегда вызывали вдохновленные отзывы, черта, которая, возможно, сама по себе является маркером его значимости как художника, а с момента его первой выставки в 1980 году его произведения были широко представлены по всему миру. В 2014 году в музее Уитни, который дал Кунсу огромный толчок для творческого вдохновения в студенческие годы, состоялась ретроспектива его работ.
Уитни говорит: «На протяжении всей своей карьеры он выдвигал новые подходы к готовому образцу, проверял границы между современным искусством и массовой культурой, оспаривал пределы промышленного производства и преобразовывал отношения художников к культу знаменитости и мировому рынку».
У него также состоялась персональная выставкв в Версальском дворце во Франции (2008-09 гг.), в музее современного искусства в Чикаго (2008 г.), в художественном музее Хельсинки (2005 г.), музее современного искусства Аструпа Фернли в Осло (2004 г.) и в Национальном археологическом музее в Неаполе (2003 г.).
Наряду с громкими экспонатами карьера Кунса отличалась широким спектром престижных наград, которые он получил, они охватывают всю его карьеру. Среди них - медаль искусств Государственного департамента (награждена госсекретарем Хиллари Родхэм Клинтон в 2012 году) и становится почетным членом Королевской академии в Лондоне (2010 г.) и офицером французского Почетного легиона (2007 г.).
Кунс был избран членом Американской академии искусств и наук в 2005 году.
Алина 2018-07-01 14:05:00 биографии художников
Альфред Сислей родился 30 октября 1839 года в Париже, Франция. Франко-германская война в финансовом отношении разрушила семью Сислея, но он все-таки решил сделать живопись своей карьерой и изо всех сил боролся с нищетой всю оставшуюся жизнь. Он был помощником Клода Моне и Пьера-Огюста Ренуара. Умер Сислей в Морет-сюр-Лоин, Франция, в 1899 году.
Непревзойденный пейзажист, Альфред Сислей, родился в английской семье 30 октября 1839 года в Париже, Франция. В 1857 году он совершил свою первую поездку в Лондон, Англия, где он был вдохновлен работой таких английских пейзажистов, как J. M. W. Тернер, Джон Констебл и Ричард Паркс Бонингтон. Сислей присоединился к другим художникам-импрессионистам, таким как Клод Моне, Камил Писсарро и Пьер-Огюст Ренуар, которые пренебрегали строгими методами Школы Искусств (ранее Академия Бис-Арт, Париж) в пользу более натуралистического и реалистического изображения предметов.
В 1868 году, пейзаж Альфреда Сислея "Аллея Каштанов возле Ла сель Сен-Клоуд (Саутгемптон)" был показан на престижном Салоне художественной выставке. Картина опиралась на мягкую тональность Камиля Коро и драматическое сосредоточение Густава Курбе, оба из которых оказали сильное влияние на художника. Сислей продемонстрировал шесть пейзажей на первой выставке импрессионистов, и все они были в значительной степени подвергнуты критике. Как и многие его современники, он был осужден за свободное, и видимо, недостроенное исполнение в такой работе, как "Осень: берег Сены вблизи Буживаля" (1873 г., Монреаль).
Из всех художников-импрессионистов этого периода, Альфред Сислей был чистым пейзажистом. Он написал около 900 картин, менее десятка из которых были натюрмортами и только одна или две из которых были жанровыми сценами. Остальные были пейзажами, простирающимися от лесов Фонтенбло и Лувесиенса в Лондоне до Уэльса и Морет-сюр-Лоинга. Он сторонился городских пейзажей, индустриализации и человеческих фигур в спокойной сельской местности.
Под патронажем французского баритона Жан-Батист Фора, Альфред Сислей смог вернуться в Англию в 1874 году. Находясь там, он написал серию полотен на Хэмптон-корт, в том числе "Молеси Вейр, Хэмптон-Корт" (1874 г., Эдинбург), которое было признано чрезвычайно свежим и спонтанным. "Молеси Вейр" выглядит расслабленной и неформальной, с изображением обнаженных купальщиков, была исполнена с большой экономией средств.
Сислей выставлялся на второй и третьей выставках импрессионистов, но только после того, как он получил упоминание в «Импрессионизме» Жоржа Ривьера, художник получил признание критиков. Ривьер написал о очаровательном таланте, вкусе, тонкости и спокойствии Сисли.
Альфред Сислей изобразил вневременное представление о природе, в которой человек, хотя и присутствует, никогда не является управляющей силой. Он умер от рака горла 29 января 1899 года в Морет-сюр-Лоин, Франция.
Алина 2018-06-30 14:05:00 биографии художников
Боб Рос, родившийся во Флориде 29 октября 1942 года, открыл для себя масляную живопись, когда был зачислен в ВВС США в начале 1960-х годов. Он изучал стиль "мокрый-по-мокрому", что позволяло ему произвести полную картину менее чем за час. Затем он стал телевидущим и в конечном итоге обучил миллионы телезрителей на шоу PBS «Радость живописи».
Боб Росс, известный преподаватель живописи на телевидении, родился Робертом Норманом Росс в Дайтоне, штат Флорида, 29 октября 1942 года. Вырос в Орландо, Флорида. После того, как бросил школу в девятом классе, Росс служил в ВВС США. Во время службы он получил свой первый урок рисования в клубе «Объединенные службы Организации Объединенных Наций» в Анкоридже. С этого момента он был "на крючке", этот термин, Боб часто будет использовать в течение карьеры.
После отставки из ВВС, Росс посещал различные художественные школы, пока не изучил технику "мокрым-по-мокрому" от Уильяма Александра (позже его извечный соперник), где масляные краски наносят непосредственно поверх друг друга для получения полной картины (в основном пейзажи) менее чем за час. Росс изучал "мокрый-по-мокрому" с несколькими друзьями и коллегами, и в начале 1980-х, у него появилось свое собственное шоу на PBS, основанное на этой технике.
Учебная программа Росса «Радость живописи», премьера которой состоялась в 1983 на PBS, где он будет работать более десяти лет и привлечет миллионы зрителей. В качестве преподавателя живописи на ТВ, Росс стал известен благодаря своим легким юмором и нежным поведением, а также его способностью завершить картину за 30 минут. "Радость живописи" в конечном итоге транслировалась более чем 275 станциями, создала империю, которая включала в себя видеоролики, практические книги, предметы искусства, товары для творчества сертифицированные и с инструкциями по применению Боба Росса.
Шоу "Радость живописи" было отменено в 1994 году, знаменитый учитель и хозяин шоу был диагностирован с лимфомой примерно в это же время.
Росс умер от лимфомы в возрасте 52 года, 4 июля 1995 года, в Нью-Смирна-Бич, штат Флорида. Большинство его оригинальных картин были подарены благотворительным организациям или станциям PBS. Сегодня Росс остается одним из самых известных и высокооплачиваемых американских художников. Его наследие живет в нескольких аспектах, в том числе на фан-странице Twitter, насчитывающей более 67 000 фолловеров.
Алина 2018-06-29 14:05:00 биографии художников
Гюстав Курбе родился 10 июня 1819 г. в Орнан, Франция. В 1850-х годах Курбе был известен как смелый новаторский художник реалистической школы, он шокировал критиков и общественность крупномасштабными картинами показывающими сцены из повседневной сельской жизни. Из-за участия в Парижской коммуне 1871 года, Курбе провел последние годы своей жизни в изгнании в Швейцарии, где и умер 31 декабря 1877 года.
Жан-Дезире-Гюстав Курбе, более известный как Гюстав Курбе родился 10 июня 1819, в Орнан, в небольшом городка во Франции французском регионе Франш-Конте. Он был старшим из четырех детей Элеонора-Режиса Курбе, зажиточного крестьянина и помещика, и Сильвии Курбе.
В возрасте 14 лет, Курбе начал брать уроки живописи у местного художника, которого звали "пир" Бод. В 1837 году, Курбе переехал в Безансон, где продолжал изучать искусство. Затем отправился в Париж, посетил Лувр и скопировал работы таких художников, как Рембрандт, Питер Пол Рубенс, Караваджо и Франсиско де Зурбарани.
В этом раннем этапе своей творческой карьеры, Курбе написал ряд автопортретов, в том числе и “Отчаянного человека” (1841 г.) и “Автопортрет с черной собакой” (1842 г.). Последний был принят в Салоне 1844 г., престижной, спонсируемой государством ежегодной выставке, проходившей в Париже.
В 1848 году, у Курбе был профессиональный прорыв, когда десять его картин были приняты Парижским салоном. Будучи награжденным золотой медалью второго класса, в следующем году ему больше не нужно было отправлять свои картины в жюри, для выставления в Салоне (этот особый статус продолжался до тех пор, пока правило не изменились в 1857 году).
Когда Курбе зарекомендовал себя в своей профессии, он продолжал следить за спорами и критикой о его работах. В парижском мире искусства середины 1800-х годов, наибольшей популярностью пользовались картины с большими сюжетными историческими сценами, мифологии или Библии. Курбе работал на больших холстах, но он решил изображать случаи из повседневной жизни французской деревни, например как «Каменные оружейники» - сцена двух анонимных рабочих (1849 г.).
На картине Курбе «Захоронение в Орнанах»(1849-50 г.) запечатлены похороны в его родном городе в сельских районах; это озадачило и расстроило зрителей в салоне 1851 года в связи с изображением обычного деревенского народа в грандиозном масштабе. Поскольку Франция и другие европейские страны недавно были потрясены рабочими восстаниями 1848 года, искусство Курбе также воспринималось как сильное политическое послание.
В 1854-55 годах, Курбе написал большую автобиографическую работу под названием «Студия художника: настоящая аллегория, суммирующая семилетнюю фазу моей художественной жизни». Этот почти 20-футовый холст показывает Курбе, работающего на своем мольберте, в окружении людей- реальных и символических - тех кто повлиял на его жизнь и карьеру (фигуры включают друзей Курбе Чарльза Бодлера и Пьера-Джозефа Прудона). Когда эта картина была отвергнута жюри 1855 на выставке, Курбе рассердился и установил ее в галерее собственных работ, организованную в соседнем павильоне.
Курбе также продолжал провоцировать аудиторию, расширяя границы приличия в своем искусстве. “Девушки на берегу Сены” (1856 г.) на картине показаны две женщины в беспорядочной одежде, вальяжно лежащие на берегу реки - это шокировало многих зрителей, хотя некоторые критики оценили картину. “Женщина с попугаем” (1866 г.), женщина, ню, получила такую же реакцию.
В 1860-х, которые были продуктивными годыами для Курбе, он также рисовал менее скандальные сцены охоты, натюрморты и пейзажи. В общем, его искусство имело стабильный сбыт и продолжало получать признание.
Курбе был республиканец, всю жизнь, чей реалистичный стиль живописи и выбор предметов из повседневной жизни соответствовал его политическим убеждениям. После того, как в 1870 году правительство Наполеона III рухнуло, Курбе поддержал республиканскую Парижскую Коммуну. Но когда Коммуна подошла к концу в 1871 году, его вскоре арестовали за то, что он участвовал в уничтожении Вендомской колонны, символа режима Наполеона.
Курбе перенес первоначальное наказание за уничтожение колонны: шесть месяцев тюремного заключения и небольшой штраф. В 1873, предъявленный штраф за расходы на переустановку колонны побудил его переехать в Швейцарию.
Живя в изгнании, Курбе нехватало денег и он начал сильно пить, хотя и успел написать некоторые пейзажи и портреты. 31 декабря 1877 года, Курбе умер в возрасте 58 лет в Ла-Тур-де-пей, Швейцария.
Алина 2018-06-28 14:05:00 биографии художников
Эжен Делакруа родился в Шарантон-Сен-Морис, Франция, 26 апреля 1798 г.. Он получил художественное образование в Париже и стал известен как ведущий деятель французской романтической эпохи 19 века. Вдохновленный историей, литературой и экзотическими местами, Делакруа написал такие известные произведения, как "Свобода, ведущая народ" и "Смерть Сарданапала." Он умер в Париже 13 августа 1863 года.
Фердинанд Эжен-Виктор Делакруа родился 26 апреля 1798 года, в Шарантон-Сен-Морис, Франция. Его отец, Чарльз, был министром иностранных дел и служил в качестве правительственного префекта в Марселе и Бордо. Его мать, Виктуар Обен, была интеллигентной женщиной, которая привила любовь молодого Делакруа к литературе и искусству.
Отец Делакруа умер, когда ему было 7 лет, его мать скончалась, когда ему было 16. Он учился в лицее Луи-Ле-Гранд в Париже, но бросил школу, чтобы начать свои художественные исследования. Спонсируемый хорошим с полезными связями дядей, он присоединился к мастерской художника Пьера-Нарцисса Герина. В 1816 году поступил в школу изящных искусств. Делакруа также совершил множество поездок в Лувр, где восхищался картинами таких старых мастеров, как Тициан и Рубенс.
Многие из ранних картин Делакруа имели религиозные темы. Однако, на первые работы выставленые на престижном Парижском салоне, “Данте и Вергилий в аду” (1822 г.), черпал вдохновение из литературы.
Для других работ 1820-х годов, Делакруа обратился к недавним историческим событиям. Его интерес к греческой войне за независимость, и его негодование по поводу зверств той войны, привело к “Резне в Хиосе” (1824 г.) и “Греция на руинах Миссолонги” (1826 г).
Даже на этой ранней стадии своей карьеры, Делакруа был достаточно удачлив, чтобы найти покупателей для своих работ. Он был провозглашен как Центральная фигура романтической эпохи французского искусства, вместе с Жерико Теодором и Антуаном-Жан Гро. Как и другие художники, он изображал предметы сопряженные с сильными эмоциями, драматическими конфликтами и насилием. Часто вдохновленый историей, литературой и музыкой, он работал со смелыми цветами и в свободной живописной манере.
Делакруа продолжает удивлять критиков и своих клиентов такими работами, как “Смерть Сарданапала” (1827 г.), на которая изображена декадентская сцена побежденного ассирийского короля, готовящегося к самоубийству. Одна из его самых известных картин “Свобода, ведущая народ”, в ответ на июльскую революцию 1830 года, в которой женщина держит французский флаг и ведет группу бойцов из всех социальных классов. Холст был куплен французским правительством в 1831 году.
После поездки в Марокко в 1832 году Делакруа вернулся в Париж с новыми идеями для своего творчества. Такие картины, как “Алжирские женщины в своих квартирах” (1834 г.) и “Марокканский вождь получающий дань” (1837 г.) определили его романтический интерес к экзотическим предметам далеких земель. Он также продолжал рисовать сцены, заимствованные из работ своих любимых авторов, в том числе Лорда Байрона и Шекспира, и ему было поручено расписать несколько номеров в Лувре и Версальском Дворце.
Начиная с 1840-х годов, Делакруа проводил больше времени в сельской местности за пределами Парижа. Он наслаждался дружбой с другими известными деятелями культуры, композиторами Фредериком Шопеном и Жоржем Санд. В дополнение к его литературным картинам, он нарисовал цветочные натюрморты и несколько картин под названием “Охота на Львов”.
Последним крупным заказом Делакруа был множество фресок для Церкви Сен-Сюльпис в Париже. Они включают “Борьба Иакова с Ангелом,” место интенсивной физической борьбы между двумя фигурами в темном лесу. Этот заказ занял Делакруа в течение 1850-х годов и в следующее десятилетие. Он умер 13 августа 1863 года в Париже
Алина 2018-06-27 14:05:00 биографии художников
Родился 22 февраля 1888 года в Уэст-Честере, штат Пенсильвания, Гораций Пиппин росовал еще в детстве, но во врмя Первой мировой войны получил травму правой руки, он выстоял и сам научился рисовать с травмой, стал МОМА художником известным за его визуализации афро-американской жизни, библейские образы и исторические сцены. Был опубликован в журналах. Пипин умер в Уэст-Честер 6 июля 1946 года.
Гораций Пиппин родился 22 февраля 1888 года, в городе Уэст Честер, Пенсильвания, переехал в Гошен, Нью-Йорк, еще маленьким ребенком. Несмотря на некоторые первоначальные трудности от школьных властей, Пиппин развил в себе любовь к творчеству, получил награды и создал себе репутацию в своем районе для своего ремесла даже с ограниченным иллюстративными инструментами.
Покинул школу в раннем подростковом возрасте, чтобы помогать бедной больной матери, работая долгие годы в гостинице и впоследствии на других работах. Поступив на службу в армию, он был отправлен за границу во Францию, чтобы сражаться в Первой мировой войне в составе афро-американской 369-й пехотной части, а также истребителей адмирала Гарлема. (Вся часть в конечном итоге получила поетную грамоту Франции в Круа де Герре.)
Пиппин был тяжело ранен и потерял дееспособность правой руки после ранения, вернулся в Штаты в 1919 и переехал в Уэст-Честер. Женился на Дженни Уэйд в 1920 году в тот момент, когда пара ждала сына.
Пиппин в конце концов стал левой рукой держать правую руку, и снова начал рисовать в качестве лечебной терапии. Он полагался на свою левую руку, чтобы направлять правую и завершил свою первую послевоенную работу «Потеряв путь» (1930 г.). Используя как угли от сжигания древесины, так и масляные краски со знаменитым глазом для сложных деталей и социальных исследований, Пиппин продолжал писать десятки картин в течение своей карьеры.
После того, как его работа была показана в родном графстве, он стал частью путешествующего экспоната, передвижной группы с Музеем современного искусства в 1938 году. Дальше последовали другие выдающиеся выставки. Его работы часто называют народным искусством, Пиппин изображал сцены афро-американской жизни, это видно в "Домино" (1943 г) и "Гармонизации" (1944 г.). Он был отмечен за библейские картины, такие как «Христос» и «Женщина из Самарии» (1940 г.) и собственные богато-текстурированные автопортреты.
Пиппин был также известен историческими, политизированными сериями картин на которых изображены аболиционист Джон Браун и президент Авраам Линкольн. Он был полностью самоучкой как художник, о нем писали в Newsweek и Vogue.
Гораций Пиппин умер 6 июля 1946 года, после инсульта, в том городе где родился. Его жена умерла вскоре после него. Основные его работы были выставлены после его смерти в таких учреждениях, как Академия изобразительных искусств Пенсильвании и Музей искусств Метрополитен. Оцифрованная коллекция тетрадей и писем Пиппина, в том числе некоторые из его переживаний в молодостии на войне доступна в Интернете в Архиве американского искусства, входящем в состав Смитсоновского института.
