Алина 2018-07-13 17:05:00 биографии художников
Родился где-то между 1488 и 1490 годами, Тициан стал учеником художника в Венеции в подростковые годы. Он работал с Себастьяно Зуккато, Джованни Беллини и Джорджоне, прежде чем развернуться самому. Тициан стал одним из ведущих художников Венеции около 1518 г. после завершения картины "Успение Богородицы". Вскоре он создал работы для ведущих членов королевской семьи, в том числе короля Филиппа II Испании и Карла V, императора Священной Римской империи. Папа Павел III также нанял Тициана, чтобы нарисовать портреты самого себя и его внуков. Тициан умер 27 августа 1576 года
Тициан Вечеллио родился в Пьеве ди Кадоре, Италия, где-то между 1488 и 1490 годами, Тициан является одним из величайших художников итальянского Возрождения. Самым поздним из четырех детей, рожденных Грегорио и Лючия Вечеллио, Тициан провел свои ранние годы в городке Пьеве ди Кадоре, недалеко от Доломитовых гор.
В подростковом возрасте, Тициан стал учеником Венецианца Себастьяно Зуккато. Вскоре он начал работать с такими ведущими художниками, как Джованни Беллини и Джорджоне. Джорджоне оказал особенно сильное влияние на молодого художника.
В 1516 году Тициан начал работу над своим первым крупным заказом для церкви Санта-Мария Глориоза деи Фрари в Венеции. Он написал «Успение Богородицы» (1516-1518 гг.) для высокого алтаря церкви, мастерски исполненную работу, которая помогла назвать Тициана одним из ведущих художников в этом районе. Он стал известен за его умелое использование цвета и за его привлекательные для визуализации человеческие формы.
Через короткое время после завершения легендарного алтаря Тициан создал «Поклонение Венере» (1518-1519 гг.). Эта работа, вдохновленная мифологией, была всего лишь одним из нескольких заказов герцога Феррарского Альфонсо И д'Эсте. В течение своей карьеры Тициану удалось развить широкий круг королевских покровителей, в том числе король Филипп II из Испании и император Священной Римской империи Карл V
Венецианский дом Тициана был Меккой для многих художественных стилей сообщества. У него была особенно тесная дружба с писателем Пьетро Аретино. Аретино помог Тициану получить некоторые из его заказов. Скульптор и архитектор Якопо Сансовино был еще один частый гость Тициана.
На протяжении многих лет, Тициан создал портреты ведущих деятелей того времени. Он написал две работы с участием папы Павла III между 1545 и 46 годами, и даже полгода жил в Ватикане, делая эти картины. В 1548 году он отправился ко двору Карла V, где также написал портрет.
В своей более поздней карьере, Тициан больше ориентирован на религиозные и мифологические произведения. Частично вдохновленный «Метаморфозами» Овидия, Тициан пишет для испанского короля Филиппа II картину «Венера и Адонис» (примерно 1554 г.), которая показывает богиню Венера, тщетно пытающуюся удержать своего возлюбленного Адониса. Тициан вновь изобразил свое увлечение римской богиней любви в «Венере и Люте» (1565-1570 гг.).
Тициан продолжал писать вплоть до своей смерти 27 августа 1576, Венеция. Как сообщается, он умер от чумы. Та же болезнь унесла жизнь его сына, Орацио, спустя несколько месяцев. Другой его сын, Помпонио, продал отцовский дом и его содержимое в 1581 году. Некоторые произведения искусства теперь можно найти в музеях по всему миру, в том числе в России в Эрмитаже в Санкт-Петербурге и в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.
Благодаря богатству работ, которые он оставил после себя, Тициан вдохновил бесчисленные поколения художников. Рембрандт, Диего Веласкес, Антуан ван Дейк и Питер Пауль Рубенс - это всего лишь несколько художников, которые работали под влиянием великого венецианского художника
Алина 2018-07-12 17:05:00 биографии художников
Якопо Робусти Тинторетто родился в Венеции, Италия, около 1518 г. Его карьера профессионального художника проходила с 1530-х годов до его смерти в 1594 г. Он стал известен как один из мастеров 16 века Венецианской живописи. Его стиль был драматичным и инновационный, его творчество включает в себя множество религиозных сцен по заказу церквей и гражданских зданий, а также мифологические сцены и портреты элиты Венеции. Некоторые из самых известных работ Тинторетто - «Тайная вечеря» 1594 года, «Святой Марк, спасающий раба», «Сусанна и старейшины» и его циклы для Скуола Гранде ди Сан Рокко и Двор Дожей.
Мало что известно о раннем периоде жизни Тинторетто. Он родился Якопо Робусти в Венеции, Италия, около 1518 г. Его отец, Джованни Баттиста Робусти, была красильщиком тканей, отсюда его прозвище Тинторетто, что означает "маленький красильщик". По мнению некоторых более поздних искуствоведов, Тинторетто учился у художника Тициана. Возможно более вероятно, что он обучался в мастерской менее известного художника.
Несмотря на отсутствие информации о детстве и образовании Тинторетто, понятно, что он был осведомлен о деятельности выдающихся живописцев Венеции, а также других итальянских мастеров, к тому времени как он стал молодым человеком. На протяжении большей части своей карьеры, Тинторетто стремился объединить стиль рисунка Микеланджело с использованием цветов Тициана при разработке собственного стиля.
Тинторетто работал как независимый профессиональный художник до 1539 года. Он оставался в Венеции на протяжении всей своей карьеры, став одним из самых известных в городе художников 16 века. Большинство его работ это были картины маслом, он получил много заказов для церковных алтарей, масштабные картины для гражданских зданий, а также портреты Венецианской знати и государственных деятелей.
Одна картина, которая сделала Тинторетто известным была "Святой Марк спасает раба" (также известный как "чудо раба"), ее художник написал в 1548 году, в возрасте 30 лет. Когда он стал известен во всей Венеции, Тинторетто создал десятки больших картин на религиозные темы, в том числе «Чудо из хлебов и рыб» (1545-50 гг.) и «Сусанна и старейшины» (1555-56 гг.). В течение 1550-х годов он работал над циклом библейских сцен для церкви Мадонны дель Орто, в том числе «Поклонение золотому теленку».
Тинторетто использовал свободную манеру письма и насыщенный, светящийся цвет (особенно красный, золотой и зеленый) в своих картинах, которым была характерна театральность. Его фигуры обычно показаны в движении, а его композиции используют противоборствующие силы в глубоком живописном пространстве. Чтобы спланировать свои сложные сцены из многих фигур, Тинторетто готовил модели, которые он устанавливал с небольшими восковыми или глиняными фигурами, чтобы составить сюжет и наблюдать за эффектами света и тени.
Тинторетто часто ассоциируется с маньеризмом, художественным стилем позднего Возрождения, который использует сильно драматические предметы и изображает человеческие фигуры в преувеличенных пропорциях и позах. В противоположность этому, однако, индивидуалистический стиль Тинторетто отличает его от этого движения.
Тинторетто был особенно продуктивным в течение последних двух десятилетий его жизни. Его рисунки стали темнее и таинственнее: например, в своем шедевре "Тайная вечеря" для церкви Сан Джорджо Маджоре (1594 г.), Христос и апостолы собрались вокруг стола, что уходит в глубокое, темное внутреннее пространство.
Другие крупные заказы Тинторетто с середины 1570-х годов включают цикл религиозных картин для здания братства Скуола Гранде ди Сан-Рокко, в котором он работал с 1575 по 1588 год, состоящий из сцен Ветхого Завета и эпизодов из жизни Христа, включая большое «Распятие». Он также выполнил последовательность мифологических картин в росписи Дворца Дожей.
Умер Тинторетто в Венеции 31 мая 1594 года. Он и его жена Фаустина Эпископи, имели восемь детей, трое из них обучались отцом и продолжали его творческое наследие.
Алина 2018-07-11 17:05:00 биографии художников
Фрэнсис Бэкон родился в английской семье, живущей в Дублине, Ирландия, 28 октября 1909 года. После путешествия в Германию и Францию, в молодости, он поселился в Лондоне и начал свою карьеру как художник-самоучка. Большинство его картин с 1940-х до 60-х годов изображают человеческие фигуры в сценах, которые предполагают отчуждение, насилие и страдания. Провокационная, выразительная работа Бэкона считается одним из самых важных произведений искусства послевоенной эпохи. Он умер в Мадриде, Испания, 28 апреля 1992 года.
Фрэнсис Бэкон родился в английской семье, живущей в Дублине, Ирландия, 28 октября 1909 года, и является побочным потомком и тезкой знаменитого философа XVI-XVII веков. Бэкон был воспитан в Ирландии и Англии, и в детстве он страдал от астмы, которая помешала ему получить формальное образование. Вместо этого он был обучен дома.
Бэкон покинул дом в 1927 году всего лишь в 17 лет, родители не приняли его сексуальную ориентацию. Он побывал в Берлине, Германия, где посещал ночные гей-клубы города, а также интеллектуальных кругах Парижа, во Франции, где стал дальше интересоваться искусством посещая галереи. Когда Бэкон вернулся в Лондон в конце 1920-х годов, он начал короткую карьеру как декоратор интерьеров, проектирование мебели и ковров в современном, арт-декоре под влиянием стиля. Кроме того, начал писать, сначала в стиле Кубизм под влиянием Пабло Пикассо и позже в более Сюрреалистической манере. Работы самоучки Бэкона вызвали интерес, и в 1937 году, его включили в Лондоне в групповую выставку под названием "Молодые Британские художники."
Фрэнсис Бэкон позже датировал истинное начало своей творческой карьеры 1944 годом. Именно в это время, он посвятил себя живописи и начал создавать произведения, за которые его до сих пор помнят, «Три исследования для рисунков на базе распятия», главный поворотный момент. Его большие полотна изображали человеческие фигуры - чаще всего одну фигуру, изолированную в пустой комнате, в клетке или на черном фоне. Для одной серии картин Бэкон был вдохновлен портретом Папы Иннокентия X Диего Веласкеса (около 1650 г.), но он нарисовал предмет в своем собственном стиле, используя темные цвета и грубую кисть и искажая лицо сидящего. Эти произведения стали известны как "Кричащие папы Бэкона" .
В других работах, фигура может стоять рядом с освежеванными тушами мяса. Еще другие картины были взяты из традиционной религиозной тематики. Во всех картинах, Бэкон подчеркивает универсальный опыт страдания и отчуждения.
Даже в период, когда в современном искусстве доминировала абстракция, Бэкон продолжал рисовать человеческое лицо и фигуру. Его эмоциональное использование кисти и цвета, а также его преувеличение, утрирование и искажение форм заставило обозначить его как художника-Экспрессиониста, хотя он и отвергал этот термин.
Некоторые из работ Бэкона 1960-х годов изображают одинокую мужскую фигуру, одетую в деловой костюм. Другие показывали обнаженные фигуры, часто с гротескно измененными пропорциями и особенностями. Бэкон время от времени использовал яркие цвета, но темы насилия и смертности по-прежнему занимали центральное место в его искусстве. Он также часто писал портреты людей, которых он встречал, в том числе соотечественников художника Люсьена Фрейда и Джорджа Дайера, которые виделись с Бэконом при попытке ограбить дом художника.
Бэкон и Дайер стали любовниками, их отношения отмечены сильным волнением. В один момент Дайер подставил Бэкона за хранение наркотиков и позже совершил самоубийство. Их время вместе было изображено в 1998 году в фильме Любовь-это Дьявол: исследование портрета Фрэнсиса Бэкона, в ролях: Дерек Джакоби, Дэниел Крейг и Тильда Суинтон.
Бэкон был известен своими гулянками, ухоженным домом и заведомо захламленной студией в Лондоне продолжал рисовать до конца жизни. 28 апреля 1992 года, в возрасте 82 года, во время отпуска, он умер в Мадриде, Испания.
Фрэнсис Бэкон является одним из крупнейших британских художников послевоенного поколения, он также оказал важное влияние на новое поколение фигуративных художников в 1980-х годах. Его работы находятся в собственности крупных музеев мира, и он стал предметом нескольких ретроспективных выставок. Его студия была приобретена галереей Хью Лейн в Дублине, где была воссоздана в комнату для просмотра посетителями. «Три исследования Лукиана Фрейда» Бэкона побили рекорд как самая дорогая работа, когда-либо проданная на аукционе в 2013 году, когда она была приобретена за окончательную цену в 142,4 миллиона долларов в Christie's в Нью-Йорке.
Алина 2018-07-10 17:05:00 биографии художников
Мексиканский художник-монументалист Хосе Клементе Ороско родился 23 ноября 1883 года и создал впечатляющие, реалистичные картины. Продукт мексиканской революции, он преодолел бедность и в конце концов отправился в США и Европу, чтобы нарисовать фрески для крупных учреждений. Это был человек с беспрецедентным видением, а также с поразительной противоречивостью, умер от сердечной недостаточности в возрасте 65 лет.
Жизнь Хосе Клементе Ороско - это рассказ о трагедии, невзгодах и выдающихся достижениях. Родился в Мексике в 1883 оду, был воспитан в Запотлан-эль-Гранде, небольшом городе в юго-западном районе Мексики в Халиско. Когда он был еще маленьким мальчиком, родители Ороско переехали в Мехико в надежде дать лучшую жизнь своим троим детям. Его отец, Ирене, был бизнесменом, а мать, Мария-Роза, работала домохозяйкой и иногда пела за дополнительную плату. Несмотря на усилия родителей, они часто жили на грани нищеты. Мексиканская революция накалялась, и будучи очень чувствительным ребенком, Ороско начал замечать многие трудности с которыми сталкиваются окружающие его люди. Идя в школу, он стал свидетелем работы в открытой витрине магазина, мексиканского карикатуриста Хосе Гуадалупе Посады. Политически ангажированные картины Посады не только заинтриговали Ороско, но также они пробудили в нем первое понимание искусства как мощное выражение политического восстания.
В возрасте 15 лет, Ороско покинул город и отправился в сельскую местность. Родители отослали его, чтобы он изучал сельскохозяйственную технику, профессию, которая его мало интересовала. Во время учебы, он заболел ревматической лихорадкой. Отец умер от тифа вскоре после того, как он вернулся домой. Возможно, Ороско, наконец, чувствовал себя свободным, чтобы преследовать свою страсть, потому что почти сразу же начал брать уроки живописи в Академии Сан-Карлос. Чтобы поддержать свою мать, он брал небольшие заказы, сначала чертежником в архитектурной фирме, а затем в качестве посмертного живописца, раскрашивая в ручную портреты мертвых.
Примерно в то же время после того как Орозко убедился в том, что преуспел в искусстве, его поразила трагедия. При смешивании химических веществ, чтобы сделать фейерверк в честь Дня Независимости Мексики в 1904 году, он создал случайный взрыв, который повредил ему левую руку и запястье. Из-за народных гуляний, он не мог попасть к врачу в течение нескольких дней. А когда обратился уже началась гангрена и надо было ампутировать левую руку полностью. Пока он лечился, мексиканская революция была выдающейся в умах каждого, и личные переживания Орозко были отражены в нарастающих политических волнениях, происходящих вокруг него.
В течение следующих нескольких лет Орозко работал какое-то время карикатуристом для независимой оппозиционной газеты. Даже после того, как, наконец, состоялась его первая персональная выставка, под названием “дом слез” взгляд на жизнь женщин, находящихся на улицах красных фонарей, Ороско стал рисовать куклы Кьюпи, чтобы заплатить арендную плату. Учитывая его внутреннюю борьбу, не удивительно, что его картины кишели социальными проблемами. В 1922 году Орозко начал создавать фрески. Первоначальным импульсом для этой работы стала инновационная кампания по распространению грамотности, созданная новым революционным правительством Мексики. Идея заключалась в том, чтобы нарисовать фрески на общественных зданиях в качестве метода для трансляции своих рекламных сообщений. Он делал это в течении короткого времени. Ороско в конечном итоге стал известен как один из трех “мексиканских художников-Монументалистов”. Двое других были его современниками, Диего Ривера и Давид Альфаро Сикейрос. Со временем работа Орозко была однозначно признана и отделялась от Ривера и Сикейроса за ее интенсивность и сосредоточенность на людских страданиях. Его обширные сцены иллюстрировали жизнь и борьбу крестьян и рабочих людей. Орозко женился на Маргарите Вальядарес в 1923 году, и у них было трое детей. В 1927 году, после нескольких лет работы оставаясь недооцененным художником в Мексике, Ороско оставил свою семью и переехал в США. Он провел в общей сложности 10 лет в Америке, во время которых стал свидетелем финансового краха 1929 года. Его первая роспись в Соединенных Штатах была создана для Колледжа Помона в Клермонте, штат Калифорния. Он также создал огромные работы для Новой школы социальных исследований, Дартмутского колледжа и Музея современного искусства. Одна из его самых известных фресок - «Эпос американской цивилизации», размещенная в Дартмутском колледже в Нью-Гемпшире. Это заняло два года, она состоит из 24 панелей и составляет около 3200 квадратных футов.
В 1934 году Ороско вернулся к своей жене и своей стране. Сейчас его ценили и очень уважали, он был приглашен для росписи во Дворце правительства в Гвадалахаре. Главная фреска, созданная в сводчатых потолках, называется «Люди и их руководители». Ороско, в середине 50-х годов, нарисовал то, что станет считаться шедевром, фресками, найденными в Гусидалахара Hospicio Cabañas, стали объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО и одним из старейших больничных комплексов в Латинской Америке. Работа, ставшая известной как «Сикстинская капелла Америки», представляет собой панораму истории Мексики, начиная с доиспанских времен, включая сцены ранних индийских цивилизаций, через мексиканскую революцию, которую он изображает как общество, охваченное пламенем. В 1940 году Музей современного искусства в Нью-Йорке поручил ему создать центральную часть своей выставки «Двадцать веков мексиканского искусства». В его вклад вошли «Дайв-бомбардировщик" и "Танк», оба комментировали предстоящую Вторую мировую войну.
Примерно в это время, Ороско встретил Глорию Кампобелло, прима-балерину балета в Мехико. Он оставил свою жену Маргариту, чтобы в течение трех лет жить с Глорией в Нью-Йорке. Дело, однако, закончилось почти так же быстро, как и началось. В 1946 году Кампобелло оставила его, и Ороско вернулся в Мексику, чтобы жить в одиночестве. В 1947 году американский автор Джон Стейнбек попросил Ороско проиллюстрировать его книгу «Жемчужина». Через год Ороско попросили нарисовать свою единственную открытую роспись «Аллегория нации» в Национальном учительском колледже Мексики. Работа была сфотографирована и представлена в журнале Life
Осенью 1949 года, Ороско завершил свою последнюю фреску. Умер во сне от сердечной недостаточности 7 сентября в возрасте 65 лет. В течение 1960-х и 1970-х годов его приветствовали как мастера человеческого состояния, художника, достаточно смелого, чтобы прорубить ложь, которую нация рассказывает своим людям. Как настаивал Ороско, «Живопись ... она убеждает сердце».
Алина 2018-07-09 17:05:00 биографии художников
Томас Х. Бентон родился в городе Неошо, штат Миссури 15 апреля 1889 года. Он был известен своим ослепительным использованием цвета в картинах, которые захватили реалистичные изображения людей в работе, игре или в покое, в различных местообитаниях, часто в сельской местности. Некоторые из его известных работ включают “Сегодня в Америке” “Персефона,” “Посадка” и фрески Капитолия штата Миссури. Он также был учителем Джексона Поллока. Он умер 19 января 1975 года в Канзас-Сити, Миссури.
Алина 2018-07-07 17:05:00 биографии художников
Фернан Леже родился 4 февраля 1881 года, в городе Аржантан, Франция. В 1913 году он начал серию абстрактных работ под названием «Контраст форм». Он решился сделать свой первый фильм в 1924 году. В 1930-х годах он все чаще включает элементы модернизма в работу. В 1940-х годах он создал серию картин под названием «Водолазы». Фернан Леже умер 17 августа 1955 г. в Жиф-сюр-Иветт, Франция.
Фернан Леже родился в крестьянской семье в провинциальном городке Аржантан, Франция, 4 февраля 1881 года. Отец Леже был торговец скотом, который надеялся, что его сын пойдет по его стопам и выберет то, что он считал практическим, например торговлю. Хотя Леже изначально не поощряли стать художником, отец стал поддерживать его, как только узнал о таланте сына к рисованию.
С одобрения своего отца, Леже поступил в архитектурную школу и стал учеником при архитекторе в Каннах. В 1901, по окончании стажировки длившейся два года, Леже переехала в Париж, где он работал в качестве архитектурного чертежника (художником-дизайнером).
Желая продолжить свое художественное образование, Леже обратился в престижную школу изящных искусств, и, к сожалению, был отвергнут. В 1903 году он стал посещать вместо этого Парижскую школу декоративного искусства, и также неофициально брал уроки двух профессоров École des Beaux-Arts(изящных искусств), которые узнали о его потенциале. До этого момента, стиль живописи Леже смешивается с импрессионизмом и Фовизмом. В 1907 году он посетил ретроспективу работ Пола Сезанна. С тех пор работа Леже приобрела больше элементов кубизма, но с его собственным уникальным стилем нарезки форм в трубчатые цилиндры, случайно называемые «тубиками».
В 1913 году он начал серию абстрактных работ под названием "Контраст форм". Год спустя приостановил свою художественную карьеруи поступил на службу во французскую армию во время Первой Мировой войны в 1916 году, где был отравлен газом под Верденом. Получив травму головы, он был отправлен домой и госпитализирован до 1917 года.
После войны, Леже продолжал рисовать, и пробовал свои силы в других жанрах, в том числе в книжных иллюстрациях, декорациях и эскизах костюмов для театра. В 1924 году Леже рискнул сделать свой первый фильм «Балет Меканик». В том же году он открыл собственную школу современного искусства.
Работы Леже созрели в 1920-е - 30-е годы, и он все чаще включает элементы модерна — в частности, представления о машинах и человеческих фигурах, выражающих скорость и движение. Его заметные картины из этого периода включают «Механик», «Мона Лиза с ключами», «Адам и Ева» и «Композиция с двумя попугаями».
С приходом Второй Мировой войны, в 1940 году, Леже временно переехал в Америку. За это время он создал серию картин под названием "Водолазы", в которых отметился своим уникальным использованием больших цветовых пятен, которые перекрывают контуры, изображают стилизованные фигуры пловцов ныряющих с пристани в Марселе. За этой серией последовали две других, также изображающих человеческие фигуры в движении: «Акробаты» и «Велосипедисты». В 1946 году, Леже вернулся во Францию, где он "оживил" свою художественную школу и стал активистом Коммунистической партии. В 1950-е годы, работы Леже были посвящены теме простого человека, и расширены включением гобелена, керамики, витражей и мозаики.
Леже умер 17 августа 1955 г. в Жиф-сюр-Иветт, Франция.
Алина 2018-07-06 17:05:00 биографии художников
Роберт Баден-Пауэлл был генерал-лейтенантом в британской армии. Он наиболее известен как основатель бойскаутов, когда узнал, что его военный учебник «Помощь в разведке» используется для обучения мальчиков знанию леса. Затем он написал "Скаутинг для мальчиков" и уволился из армии в 1910 году, чтобы посвятить все свое время группе движения скаутов. Его сестра, Агнес, помогла найти девушек-скаутов и работала с Джульетт Гордон Лоу, чтобы положить начало движению скаутов в США.
В 1870 г., после посещения школы Rose Hill, поступил в престижную частную школу Чартерхауз в Лондоне, где он получил стипендию. В 19-летнем возрасте поступил на военную службу. На отборочном экзамене среди нескольких других кандидатов он занял второе место и сразу был определен в гусарский полк, обойдя стажировку в офицерской школе. Этот полк еще во время Крымской войны получил права конной пехоты в знаменитой «Легкой Бригаде» английской армии. Кроме блестящего несения военной службы, стал капитаном и получил самый желанный во всей Индии трофей за «заклание свиньи», то есть за охоту на диких кабанов на лошади только с помощью небольшого копья. Во время службы в Индии специализировался по части военной разведки. Ему довелось побывать также в Афганистане, на Балканах, на Мальте, в Южной Африке и других странах. В 1887 г. принял участие в военной экспедиции против племен зулусов, а позже – против племен ашанти и жестоких матабельских воителей. В течение 217 дней, с 13 октября 1899 до 18 мая 1900 гг. руководил обороной Мафекинга, осажденного превосходящими силами противника. Преодолеть его оборону им так и не удалось. За это получил звание генерал-майора и стал национальным героем Англии.
В 1901 г. вернулся в Англию как герой и был осыпан различными почестями. Его личная популярность сделала популярным и его учебник военной разведки. Вскоре он взялся за труд, собрал себе особую библиотеку и много читал о воспитании юношей во все времена – от времен Древней Греции и Спарты до воспитания в старой Британии, Индии и современных на то время воспитательных систем. Идею скаутинга развивал достаточно осторожно. Поэтому летом 1907 г. он собрал группу из 22 мальчиков и организовал на острове Браунси, находящемся в проливе Ла-Манш, первый скаутский лагерь. Этот лагерь имел большой успех. После этого в 1908 г. издал в шести двухнедельных частях первый учебник скаутинга «Скаутинг для мальчиков», оформленный его собственными иллюстрациями. Вскоре книга была переведена на 35 языков, скаутские кружки начали массово распространяться в Англии и многих других странах мира. Новое движение молодежи постоянно развивалось и к 1910 г. достигло таких размеров, что это стало делом жизни. Король Великобритании Эдуард VII посоветовал ему покинуть военную службу, считая, что, распространяя свой метод воспитания, он гораздо больше будет полезен родине. В 1912 г. отправился в путешествие вокруг света для того, чтобы встретиться со скаутами в разных странах. Это было лишь начало скаутинга как мирового братства. И хотя Первая мировая война прервала развитие скаутинга на некоторое время, с ее окончанием он продолжал расти, и в 1920 г. скауты со всего мира впервые встретились на мировом скаутском Джамбори (встрече) в Лондоне. В возрасте 80 лет вернулся в Африку со своей женой и осел в Кении.
Алина 2018-07-05 17:05:00 биографии художников
Поль Сезанн родился в Экс-эн-Прованс в 1839 году. Работы французского живописца пост-импрессиониста можно сказать, образовали мост между концом XIX и новой линией художественного исследования начала XX века, кубизмом. Мастерство дизайна, тона, композиции и цвета, которое охватывает работы всей его жизни является в высшей степени характерным и сейчас узнаваемы во всем мире. Анри Матисс и Пабло Пикассо были под сильным влиянием Сезанна.
Знаменитый художник Поль Сезанн родился 19 января 1839 года в Экс-эн-Прованс (также известный как Аix), Франция. Его отец, Филипп Огюст, был соучредителем в одной банковской фирме, которая процветала на протяжении всей жизни художника, предоставляя ему финансовую безопасность, которая была недоступна большинству его современников и в конечном итоге он получил большое наследство. В 1852 году, Поль Сезанн поступил в Коллеж Бурбон, где познакомился и подружился с Эмилем Золя. Эта дружба была решающей для обоих мужчин: с юношеским романтизмом они предполагали успешную карьеру в бурной индустрии искусства Парижа - Сезанн как художник и Золя в качестве писателя.
Следовательно, Сезанн начал изучать живопись и рисование в Школе дизайна в Экс в 1856 году. Его отец выступал против стремления к художественной карьере, а в 1858 году он убедил Сезанна поступить в юридическую школу в Экс-эн-Провансе. Несмотря на то, что Сезанн продолжал свое юридическое обучение в течение нескольких лет, он одновременно был зачислен в Эколь-де-Бо-Арт, где оставался до 1861 года.
В 1861 году Сезанн, наконец, убедил отца позволить ему поехать в Париж, где планировал присоединиться к Золя и поступить в Академию изящных искусств (ныне Высшая школа изящных искусств в Париже). Однако его заявление в академию было отвергнуто, поэтому он начал свое художественное образование в Академии Suisse. Хотя Сезанн обрел вдохновение от посещения Лувра — в частности, от изучения Диего Веласкеса и Караваджо — после пяти месяцев в Париже его съедала неуверенность в себе. Вернувшись в Экс, он вошел в банкирский дом своего отца, но продолжал учиться в школе дизайна.
Остальная часть десятилетия была периодом и неопределенностью для Поля Сезанна. Его попытка работать в бизнесе отца была неудачной, поэтому в 1862 году он вернулся в Париж, где оставался в течение следующего года-полтора. В этот период Сезанн встретил Клода Моне и Камиля Писсарро и познакомился с революционной работой Гюстава Курбе и Эдуарда Мане. Начинающий художник восхищался огненным романтизмом картин Эжена Делакруа. Но Сезанн, никогда не был полностью доволен парижской жизнью, не чувствовал себя комфортно, поэтому периодически возвращался в Экс, где мог работать в относительной изоляции. Он оставался там, например, во время Франко-прусской войны (1870-1871 гг.).
Картины Поля Сезанна с 1860-х годов являются своеобразным переходом, несущим малое сходство к зрелому и более важному стилю художника. Они несут в себе размышления, меланхолию и включает в себя фантазии, мечты, религиозные образы и общую озабоченность смертью. Его техника в этих ранних картинах так же романтична и часто страстна. Для своего «Человека в голубой кепке» (также называемого «Дядя Доминик», 1865-1866 гг.) он применил пигменты с мастихином, создавая поверхность плотную и пастозную. Те же качества характеризуют уникальную «Мойка трупов» Сезанна (1867-1869 гг.), которая, как представляется, изображает события в морге и представляет собой пиету — изображение библейской Девы Марии.
Увлекательный аспект стиля Сезанна в 1860-е годы-это ощущение энергии в его работе. Хотя эти ранние работы кажутся нащупывающими и неопределенными по сравнению с более поздними выражениями художника, они тем не менее раскрывают глубокую глубину чувств. Каждая картина, кажется, готова вырваться за пределы ее поверхности. Более того, каждая из них кажется концепцией художника, который может быть был либо сумасшедший, либо гений, мир, вероятно, никогда не узнает об этом, поскольку истинный характер Сезанна был неизвестен практически всем, его современникам.
Хотя Сезанн получил поощрение от Писсарро и других импрессионистов в 1860-х и пользовался редкой критической поддержкой своего друга Золя, его картины были последовательно отвергнуты ежегодными Салонами и часто вызывали насмешки, к этому же приводили усилия и других экспериментаторов импрессионистов этого поколении.
В 1872 году Сезанн переехал в Понтуаз, Франция, где он провел два года очень тесно сотрудничая с Писсарро. Также в этот период Сезанн убедился, что надо рисовать прямо с натуры. Одним из результатов этого изменения в художественной философии было то, что романтические и религиозные сюжеты стали исчезать с полотна Сезанна. Кроме того, мрачный, мутный диапазон в его палитре начал уступать более свежим, более ярким цветам.
В Понтуазе, Сезанн решил в 1874 году принять участие в первой выставке «Анонимная компания » в которой участвовали художники, певицы, скульпторы, граверы и т. д. Эта историческая выставка, организованная радикальными художниками, которые настойчиво отвергались официальными Салонами, положила начало термину «импрессионизм» - в корне унизительное выражение, придуманное критиком газеты, ознаменовавшее начало нынешнего знакового в XIX столетии, художественного движения. Выставка станет первой из восьми подобных между 1874 и 1886 годами. Однако, после 1874 года Сезанн выставлен только в одной из восьми выставок —импрессионистов, в третьей, проведенной в 1877 году — на которой были представлены 16 его картин.
После 1877 года, Сезанн постепенно отошел от своих коллег импрессионистов и работал в полной изоляции в своем доме на юге Франции. Ученые связывают это с двумя факторами: 1) более личное направление его работы не очень хорошо согласуется с деятельностью других импрессионистов, и 2) его творчество продолжает приносить неутешительные отзывы общественности. На самом деле, после третьей выставки импрессионистов, Сезанн не выставлялся публично в течение почти 20 лет.
Картины Сезанна с 1870-х годов свидетельствуют о влиянии импрессионистского движения на художника. В «Доме повешенного человека» (1873-1874 гг.) и «Портрет Виктора Чока» (1875-1877 гг.) он рисовал непосредственно из темы и использовал короткие, нагруженные мазки, характерные для импрессионистического стиля, а также работ Моне, Ренуара и Писсарро. Но в отличие от того, как создатели движения интерпретировали импрессионистский стиль, импрессионизм Сезанна никогда не приобретал тонкого эстетического или чувственного, его импрессионизм был истощенно напряженным и неудобным, как будто он отчаянно пытался объединить цвет, мазки, поверхность и объем в более тугую унифицированную единую сущность. Например, Сезанн создал поверхностьт картины «Портрет Виктора Чока» посредством очевидной борьбы каждого мазка с его смежными штрихами, тем самым обращая внимание на единство и плоскостность холста и представляя убедительное впечатление от объема и значимости объекта.
Сезанн, как правило, отказывался от зрелого импрессионизма и от других отклонений в интерпретации классического стиля. Художник провел большую часть 1880-х годов разрабатывая изобразительный "язык", чтобы примирить обе оригинальные и прогрессивные формы стиля, для подобной деятельности не было прецендента.
В течение 1880-х годов, Сезанн видел все меньше и меньше своих знакомых, и несколько личных событий сильно повлияли на него. Он женился на Гортензии Фике, модели, с которой он жил 17 лет, в 1886 году, и его отец умер в том же году. Вероятно, самым значительным событием этого года стала публикация романа «L'Oeuvre» написанного другом Золя. Герой рассказа - художник (общепризнанно является составной Сезанна и Мане), который художественно провалился. Сезанн посчитал эту презентацию в качестве критического обличения собственной карьеры, которая глубоко ранила его, и он никогда больше не общался с Золя.
Изоляция Сезанна в Эксе начала снижаться в течение 1890-х годов. В 1895 году, во многом благодаря признанию Писсарро, Моне и Ренуара, арт-дилер Амбруаз Воллард показал несколько картин Сезанна. В результате общественный интерес к работе Сезанна начал медленно развиваться. Художник прислал картины для ежегодного Салона и Салона Независимых в Париже, в 1899, 1901 и 1902 годах, и ему выделили целый зал на выставке в Салоне d'Automne (Осеннем салоне) в 1904 году.
Во время живописи на открытом воздухе осенью 1906 года Сезанн попал в бурю и заболел. Художник умер в городе своего рождения, Экс, 22 октября 1906 года. В Салоне d'Automne 1907 года художественные достижения Сезанна были удостоены большой ретроспективной выставки.
Картины Сезанна за последние три десятилетия своей жизни создали новые парадигмы для развития современного искусства. Работая медленно и терпеливо, художник превратил беспокойную силу своих ранних лет в структурирование живописного языка, который мог бы воздействовать почти на каждую радикальную фазу искусства 20-го века.
Этот новый язык проявляется во многих работах Сезанна, в том числе «Залив Марсель из Л'Эстака» (1883-1885 гг.), «Мон-Сент-Виктуар» (1885-1887 гг.), «Кардлерс» (1890-1892 гг.), «Сахарная чаша, груши и голубой кубок» (1866 г.) и «Большие купальщики» (1895-1905 гг.). Кажется, что каждая из этих работ сталкивается со зрителем своей идентичностью как произведение искусства, пейзажи, натюрморты и портреты, кажется, распространяются во всех направлениях по поверхности холста, требуя полного внимания зрителя.
Сезанн использовал короткие, вылупившиеся мазки, чтобы помочь обеспечить единство поверхности в его работе, а также моделировать отдельные массы и пространства, как если бы они сами были вырезаны из краски. Этим мазкам было приписано анализирование формы кубизма 20-го века. Кроме того, Сезанн одновременно достигал плоскостности и пространственности благодаря использованию цвета, поскольку цвет, одновременно объединяющий и устанавливающий поверхность, также имеет тенденцию влиять на интерпретацию пространства и объема. Обратив основное внимание на плоскость картины, художник смог абстрагировать пространство и объем, которые подчиняются их среде (материал, используемый для создания произведения) - для зрителя. Эта особенность работ Сезанна рассматривается как ключевой шаг на пути к абстрактному искусству 20-го века.
