Алина 2018-07-21 17:05:00 биографии художников
Грант Вуд родился на ферме в Айове в 1891 году. После окончания школы он учился в Соединенных Штатах и Европе и проявлял интерес к Импрессионизму. Но работая по договору в Германии в 1928 году ему довелось увидеть картины ранних немецких и фламандских мастеров, после этого он направил свою работу на новый, более реалистичный и более американский лад. Одной из его первых картин в этом новом стиле была "Американская готика", которую он выставил в 1930 году с большим успехом. Этот стиль стал одним из самых знаковых и узнаваемых образов в американском искусстве, он помог Вуду прославиться и запустить региональное движение, в котором Вуд стал де-факто представителем. Вуд всю оставшуюся жизнь работал над своим искусством, а также преподавал другим.Он умер в 1942 году.
Грант Вуд родился на ферме своих родителей за пределами Анамозы, штат Айова, 13 февраля 1891 года. Идиллические пейзажи произвели неизгладимое впечатление на Вуда и глубоко повлияют на его более поздние мысли и творчество, хотя он провел большую часть своей жизни после 10 лет в более городских условиях Сидар-Рапидс, куда переехал с матерю и младшей сестрой Нан после смерти отца.
Вуд проявил интерес к искусству, когда еще учился в гимназии . Он продолжал развивать свои таланты и в старшей школе, где разрабатывал декорации для пьес и иллюстрированных студенческих публикаций, а после окончания в 1910 году посещал школу дизайна и ремесел Миннеаполиса. В течение следующих нескольких лет Вуд расширил свой творческий интерес, научившись работать с металлами и украшениями, а также строить мебель. Когда он переехал в Чикаго в 1913 году, он использовал эти навыки, чтобы зарабатывать на жизнь.
В Чикаго Вуд работал в своей ювелирной и металлообрабатывающей мастерской, а вечером развивал свои таланты на заочных курсах и занятиях в Институте искусств. Однако, когда его мать заболела в 1916 году, Вуд покинул Чикаго и вернулся в Сидар-Рапидс, где устроился на работу учителем гимназии, чтобы поддержать свою сестру. Его семейные обязательства не помешали Вуду продолжать развиваться как художник. Таким образом, несколько лет спустя в местном универмаге состоялась выставка, в которую вошли несколько его картин приведших к дальнейшим заказам.
В 1920-х годах Вуд смог найти способ отправиться в Европу, посетить музеи Франции и Италии, учиться в Академии Джулиана и выставлять свои работы в Париже. Он вернулся из этих поездок, глубоко вдохновленным импрессионистами, чья пастырская тема говорила о его собственных чувствах.
Это было в поездке в Мюнхен в 1928 году, где он контролировал производство витражного стекла, которое разработал для Мемориального здания ветеранов в Сидар-Рапид, Вуд сделал открытие, которое в конечном счете изменило направление его искусства и привело к славе. Увидев работы немецких и фламандских мастеров 15-го и 16-го веков, чей реализм и внимание к деталям подтолкнули, Вуда вернуться в Соединенные Штаты, решив интегрировать только что изобретенный подход в свою собственную работу.
Оказавшись от своих ранних импрессионистских взглядов, Вуд начал формировать более реалистичный стиль, с помощью которого можно передать сельскую тематику, которой он дорожил с юности. Одна из его первых картин этого периода также является его самой известной: "Американская готика". Показывая фермера (смоделированного со стоматолога Вуда) и женщину, которая является либо его женой, либо дочерью (по образцу сестры Вуда), стоически стоящими перед белым фермерским хозяйством. "Американская готика" была выставлена в Институте искусств в Чикаго в 1930 году и получила немедленное признание. С тех пор этот образ стал одним из самых узнаваемых в истории искусства США. По словам Вуда, порой его работа интерпретируется как пародия, на самом деле она предназначена для утверждения явно среднезападного предмета и подразумеваемых ценностей, стоящих отдельно от крупных американских городов и, тем более, европейской культуры.
С картинами из жизни небольшого городка, пейзажами Среднего Запада и историческими сценами Вуд стал де-факто представителем американского регионалистического движения. Его картины пользовались большим спросом. Помимо американской готики, были и другие представительские работыЖ «Женщина с растениями» (1929 г.), «Оценка» (1931 г.) и «Дочери революции» (1932 г.).
В 1932 году Вуд использовал свою недавно завоеванную славу, чтобы основать художественную школу в Стоун-Сити, где он мог распространить послание регионализма на начинающих художников. Но через два года принял должность в отделе искусства в Университете штата Айова, где, по его мнению, он мог оказать еще большее влияние. В том же году Вуд был назначен директором проекта общественных работ в Айове и был показан на обложке журнала Time о регионе. В 1935 году опубликовал эссе «Восстание против города», в котором он изложил принципы движения.
Несмотря на эти успехи, Вуд вступал в самый трудный период в своей жизни. В 1935 году женился на женщине по имени Сара Макссон, с которой он будет поддерживать сложные отношения в течение следующих нескольких лет отчасти из-за его скрытого гомосексуализма. Вуд и Макссон в конечном счете развелись в 1939 году, в то время, когда он также был не в ладах с налоговой за неуплату налогов.
Между тем, профессиональный мир Вуда тоже разваливался. С появлением абстрактных движений в американском искусстве регионализм Вуда утратил пополярность и поставил его в противоречие со многими факультетами в университете. Разочарованный, в 1940 году Вуд ушел в отпуск.
На протяжении этого тяжелого времени, Вуд продолжал работать. Такие картины, как "Смерть на Ридж-Роуд" (1935 г.), "Уимс Парсон’ басни" (1939 г.) и "Кукурузное поле в штате Айова" (1941 г.) демонстрируют его приверженность американскому движению в искусстве, за создание которого он отвечал в первую очередь. Он умер от рака 12 февраля 1942 года, в возрасте 50 лет, и был похоронен на участке своей семьи в Анамосе.
Алина 2018-07-20 17:05:00 биографии художников
Родился 12 июля 1917 года в Чаддс Форде, штат Пенсильвания, Эндрю Уайет учился у своего отца-художника и получил известность за свои работы, принимая методы яичной темперы. Он стал всемирно выставляемым, удостоенным наград художником с такими произведениями, как «Мир Кристины», «Ворона пролетает» и «Очистка», а также портретная серия «Хельга Картинки». Уайет умер в Чаддс Форде 16 января 2009 года.
Эндрю Ньюэлл Уайет III родился 12 июля 1917 года в Чаддс Форде, штат Пенсильвания, самый младший из пяти братьев и сестер, мать Каролин и отец Ньюэлл Конверс Уайет, знаменитый иллюстратор. Ньюэлл Конверс был серьезным, иногда пугающим воспитателем в семье, который руководил художественными талантами и умениями своего сына.
Эндрю, который сделал более раннюю работу, представленную под именем его отца, занялся живописью, используя обычную акварель и сухую кисть, в конечном итоге приняв метод темперы. В 1936 году Эндрю Уайет впервые появился в Художественном альянсе Филадельфии, в следующем году он дебютировал в персональной выставке в Нью-Йорке в Макбет-Калле, где все картины были быстро проданы.
Уайет женился на Бетси Джеймс в начале нового десятилетия. Соединив личные и профессиональные миры, она станет его бизнес-менеджером и проявит активный интерес к формированию его общественного имиджа.
Уайет получил большую известность благодаря его работе 1948 года, "Мир Кристины", которая демонстрирует подругу Бетси, пораженную полиомиелитом пробирающуюся через поле без коляски. Он стал известен как яркими пейзажами, так и портретами, иногда сливая их. Другие работы среди партитур включали «Топь траву» (1951 г.), «В мастерской» (1965 г., с участием его сестры Кэролин), «Французский Твист» (1967 г.), «На полянке» (1979 г.) и «Кэрри» (2003 г.) ).
Многие из нарисованых Уайтом были соседями и проживали в его окрестностях, так как он обычно не уезжал далеко от дома. Уайет прославился качеством реализма и деталями, найденными в его искусстве, часто создавая капризные пасторали, а также подвергался критике за его отсутствие авангардистского креатива.
Тем не менее, выставки его работ, которые были показаны на международном уровне, часто приносили рекордное число посетителей музея. Уайет также получил много наград. Он был награжден президентской медалью свободы в 1963 году и позже получил золотую медаль Конгресса США в 1990 году от президента Джорджа Буша-старшего, став первым художником, получившим эту награду.
В 1986 году выяснилось, что Уайет рисовал более 200 одетых и обнаженных портретов немецкой соседки Хельги Тесторфф за последние полтора десятилетия. Работы были предметом обложек журнала Time и будут показаны в Вашингтоне, в Национальной галерее искусств, в конце концов, будут проданы за миллионы ценителем из Японии.
Уайет умер 16 января 2009 года, в возрасте 91 года, в городе своего рождения. Среди легиона книг о его жизни и творчестве есть такие как "Портреты Хельги("The Helga Pictures) (1987 г.), Эндрю Уайет: автобиография (1995 г.) и Эндрю Уайет: "Память и магия" (2005 г.).
Алина 2018-07-19 17:05:00 биографии художников
Родился 22 октября 1882 года в Нидхэме, штат Массачусетс, Уайет учился в Говард Пайл, чтобы развивать свое художественное ремесло как иллюстратор. Он заслужил признание за работу, которую он предоставил для книжной серии «Иллюстрированная классика» Скрибнера, с таким названием, как «Король мальчик Артур и барабаны». Он жил в течение длительного времени в Чаддсе Форде, штат Пенсильвания, где погиб в результате крушения поезда 19 октября 1945 года.
Ньюэлл Конверс Уайет родился в городе Нидхем, штат Массачусетс, 22 октября 1882. Его творческие интересы были вдохновлены матерю, и он в конечном итоге избегал более традиционного образования прtдпочитая художественную подготовку и обучение искусству. Он получил уроки от местного художника Коры Ливингстон и посещал художественные школы, прежде чем учиться в Школе искусств Говарда Пайла в штате Делавэр с самим Пилем..
К началу 20-х годов Уайет начал заниматься иллюстрацией журналов и в 1904 г. исследовал американские западные горизонты, проживая в коренной американской общине, в единении с природой и в поиске глубокого вдохновения для творчества. Позже он женился на Каролине Бреннемане Бокциус в 1906 году. У пары появилось пять детей, поселившихся в деревне Чадс Форд, штат Пенсильвания.
В начале 1910-х годов, Н. Уайет был нанят, чтобы нарисовать иллюстрации для книги "Остров сокровищ" Роберта Луиса Стивенсона для книжного издательства «Сыновья Чарльза Скрибнера». Уайет продолжил свою работу с компанией, разработав линию, которая станет известна как Иллюстрированная классика Скрибнера, включая такие работы, как «Король мальчик Артур», «Последний из могикан», «Барабаны» и «Годы». Уайет завоевал признание за свой стиль текстурированных, капризных картин на странице, демонстрируя личные точки зрения с пейзажной работой и придавая жанру детского повествования отличительный реализм.
Уайет рисовал иллюстразии и для других книг, таких как «Ухаживание Майлза Стэндиша» Генри Уодсворта Лонгфелло и «Беспокойство Вандеркара» Герберта Бэка, а также был известен своими фресками и холстами.
Охарактеризованный как крепкий, увлекающийся человек, Уайет, как говорили, страдал от депрессии и ставил под сомнение направление своей жизни и карьеры. Он умер 19 октября 1945 года в городе Чаддс-Форд, когда автомобиль, в котором он ехал попал под поезд, в автомобиле с ним ехал молодой внук Уайета, который также погиб.
Дети Уайета, большинство из которых продолжали жить в местности своего рождения, нашли себя в области искусства и техники, а сын Эндрю Уайет стал известным художником-реалистом. Опубликованы ретроспективы работ Уайета, такие как «Великие иллюстрации» (2011 г.) и «Легендарное иллюстративное искусство» Н.К. Уайета (2014 г.) вместе с серией Скрибнера, которая продолжает печататься. Биография 1998 года о жизни Уайета была написана Дэвидом Михаэлисом.
Алина 2018-07-18 17:05:00 биографии художников
Симми Нокс родился в 1935 году в Алисвилле, штат Алабама. После аспирантуры, он выставлял абстрактные работы и преподавал в различных университетах и гимназиях. С 1981 года он специализируется на портретной масляной живописи и был заказан всеми судьями Верховного суда США и знаменитостям. В 2004 году, Нокс представила официальные портреты Президента Билла Клинтона и первой леди Хиллари Клинтон в Белом доме, он считается первым черным художником, который нарисовал официальный президентский портрет.
Родился 18 августа 1935 года в Алисвилле, штат Алабама, ведущий художник-портретист из африканских стран Симми Нокс создал яркие, реалистичные изображения таких светил, как президент Билл Клинтон и судья Верховного суда США Рут Бадер Гинзбург. Он-сын плотника и слесаря. Но он провел детские годы на попечении других членов семьи после развода родителей. Нокс рос бедным, большая часть его семьи работала в качестве дольщиков работающих на полях, и он сам выходил на поля, когда был достаточно взрослым. "Мы работали буквально от рассвета до заката ... все, что только можно было сделать", - сказал он РИА Новости, добавив, что "Мы не ходили в школу; Мы работали на ферме."
Позже Нокс стал жить с отцом и мачехой в Мобил, штат Алабама. Там он любил делать небольшие зарисовки и играть в бейсбол. Один из его друзей детства был легендой бейсбола Хэнк Аарон. В возрасте 13 лет, Нокс был поражен в глаз бейсбольной битой. При поддержке своего учителя в его католической школе он начал рисовать, это был способ помочь глазам восстановиться от травмы. Монахини, воспитывавшие его, признавали у него талант и организовали для него уроки у местного почтового работника. В его школе не было формального художественного образования.
После окончания Центральной средней школы в городе Мобил, штат Алабама, в 1956 году, Нокс провел несколько лет, служа в армии. Затем посещал колледж штата Делавэр, факультет биологии. Пока не преуспел в науке, Нокс сделал замечательные эскизы микроорганизмов. Один из его профессоров рекомендовал ему позаниматься в художественных классах. В штате Делавэр Нокс завершил полномасштабный автопортрет, одно из его известных ранних произведений искусства.
После окончания учебы в университете Делавэра в 1967 году, Нокс поступил в Тайлер школу искусств в университете Темпл. Там он получил степень бакалавра в области изящных искусств в 1970 году и степень магистра в области изобразительного искусства двумя годами позже. В то время, абстрактное искусство было в моде. Нокс нарисовал в этом стиле и даже получил шанс показать свои работы в известной галерее Вашингтон, округ Колумбия. Его картины висели вдоль Роя Лихтенштейна и других ведущих художников на этой выставке.
Пока Нокс не был полностью доволен своими абстрактными работами. Он нарисовал портрет освобожденного раба и видного аболициониста Фредерика Дугласса в 1976 году, теперь это часть коллекции Смитсоновского Института. В дополнение к живописи, Нокс активно работал в области художественного образования. Он занимал много педагогических должностей, в том числе был преподавателем в Школе искусств Дюка Эллингтона с 1975 по 1980 года.
К началу 1980-х Нокс посвятил себя реалистичным портретным работам. Он объяснил Нью-Йорк Таймс "С абстрактной живописью, я не чувствую вызова. Лицо-самая сложная вещь. Задача-найти то самое, что отличает его от другого лица." Нокс нашел известного покровителя в 1986 году, когда познакомился с комиком Биллом Косби. Косби стал ярым сторонником работ Нокса, нанимая для написания своих портретов и своей семьи. Он также поощрял друзей к заказам картин у Нокса.
Вскоре Нокс получил важное задание: запечатлеть образ легендарного американского Верховного Судьи Тергуда Маршалла. "Маршалл мог сказать, что я нервничал," говорил Нокс американскому арт- журналу, добавляя, "но он рассказывал анекдоты и истории о своей жизни. Я чувствовал себя спокойно с этим человеком". Он закончил портрет Маршалла в 1989 году и продолжает получать новые заказы. На протяжении многих лет Нокс нарисовал портреты великого бейсболиста Хэнка Аарона, бывшего мэра Нью-Йорка Дэвида Динкинса, историка Джона Хоупа Франклина и судью Верховного суда Рут Бадера Гинзбурга и много других известных имен.
В 2000 году Нокс получил свое самое известное задание на сегодняшний день. Он был выбран для написания официальных лиц Белого дома, портреты Президента Билла Клинтона и первой леди Хиллари Клинтон. С этим заказом, Нокс вошел в историю. «Я понимаю, что афроамериканец никогда не рисовал портрет президента и, будучи первым, это большая честь и довольно сложная задача», - сказал он ABC News. Нокс и Билл Клинтон сошлись на общей любви к джазу.
Картины Клинтонов Нокса были открыты для публики на специальной церемонии в Белом доме в 2004 году. Согласно журналу People, Билл Клинтон был доволен своим портретом. Нокс сказал журналу, что Клинтон «Улыбнулась и закричала:« Мне это нравится! »- четыре раза - я думаю, чтобы убедиться, что я понял. Он надеется когда-нибудь нарисовать портрет другого известного мирового лидера: Нельсона Манделы.
Нокс работает в своей студии сделанной из бывшего гаража, в своем доме в Серебряной весне, Мэриленд. У него и его жены Роберты двое детей: Амелия и Захари. У Нокса также есть дочь, Шери, от его первого брака.
Алина 2018-07-17 17:05:00 биографии художников
Фредерик Базиль родился 6 декабря 1841 года в Монпелье, Франция. Вскоре бросил школу, чтобы заниматься искусством. Именно в эти первые годы, он встретил друзей художников, Клода Моне, Пьера-Огюста Ренуара и Альфреда Сислея, которые присоединились к нему и основали движение импрессионистов конца 19 века. В 1870 году присоединился к пехоте после начала Франко-прусской войны и погиб в бою.
Родился Жан-Фредерик Базиль 6 декабря 1841 года в Монпелье, Франция. Фредерик Базиль вырос в богатой семье на юге Франции и ушел из дома в начале 1860-х, чтобы изучать медицину в Париже. Но его увлечение живописью пересилило обязательства, к огорчению его родителей, бросил обучение, чтобы заниматься искусством. Именно в эти годы становления он познакомился с другими живописцами Клодом Моне, Пьером-Огюстом Ренуаром и Альфредом Сислеем, которые присоединились к Базилю в создании революционного импрессионистического движения конца XIX века.
Благодаря богатству своей семьи, Фредерик Базиль располагал более просторной квартирой и студией, чем большинство его друзей-художников, и даже поддерживал некоторых из них в начале своей карьеры, в том числе Моне и Ренуара. Его дом в районе Батиньоль в Париже стал штаб-квартирой импрессионистов, поэтому движение сначала называлось «Школа Батиньоль». Студия художника на улице де ла Кондамин, собирала вместе Ренуара, Моне, Доуарда Мане, Базиля и Эдмонда Мейтре, а также журналиста и критика Эмиля Золя служит воспоминанием об этом периоде.
Самая известная работа Фредерика Базиля, "Воссоединение семьи" (1867 г.), была ярким примером того, что сейчас известно как открытый фигурный арт. Картина была выставлена в Салоне, Франции в эксклюзивной государственной арт-выставке, в 1869 году. Семья Реюньон показала расширенную семью Базиля в своей усадьбе, Мерик, и иллюстрировала использование художником цветного и адептического изображения человеческих фигур, как признаки реализма-импрессионизма. Картина стала примером задачи, которая стояла перед всеми Импрессионистами: как совместить традиционный рисунок живопись с открытыми практиками.
"Летняя сцена" Фредерика Базиля (Купальщицы) (1869 г.) перенесла с рисунка на рисунок, созданный в его парижской студии, открытый комплекс, включающий деревья, траву и воду. На картине изображены молодые мужчины, одетые в купальники, в спокойный день на берегу реки рядом с Мерик. Как и "Воссоединение семьи", Летняя сцена захватила друзей и членов семьи на открытом воздухе и была выставлена в салоне в 1870 году.
В 1870 году, Фредерик Базиль вступил в пехоту после начала Франко-прусской войны. Он был почти сразу отправлен в Алжир по боевой подготовке, а к концу года сражался на фронтах. Фредерик Базиль был трагически убит в бою во время своего первого боя, 28 ноября 1870 года, в возрасте 29 лет.
Фредерик Базиль никогда не был женат, и его многочисленные интимные отношения с мужчинами заставляют утверждать, что он был геем. В то время гомосексуализм считался девиантным и был почти повсеместно репрессирован, особенно среди социальной элиты, в которой его семья прочно укоренилась. Его близкая дружба включала самых знаменитых художников-импрессионистов всех времен, включая Мане, Моне, Ренуара, Сислея и Берту Моризо. Если бы не его безвременная смерть, Фредерику Базилю почти наверняка было бы суждено стать одним из лидеров революционных импрессионистов.
Алина 2018-07-16 17:05:00 биографии художников
Инновационный художник, Пьер-Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года в Лиможе, Франция. Он начинал как ученик художника по фарфору и занимался рисованием в свободное время. После многих лет борьбы Ренуар смог создать художественное движение под названием "импрессионизм" в 1870-х годах. В конце концов он стал одним из самых уважаемых художников своего времени. Он умер в Кань-сюр-Мер, Франция, в 1919 году.
Сын портного и швеи, Пьер-Огюст Ренуар вышел из скромной семьи. Он был шестой ребенок, но две его старшие сестры умерли в младенчестве. Семья переехала в Париж где-то между 1844 и 1846 годами, живя недалеко от Лувра, всемирно известного художественного музея. Он посещал местную католическую школу.
В юности Ренуар стал учеником художника по росписи фарфора. Он научился копировать дизайн, чтобы украсить тарелки и другую посуду. Вскоре Ренуар начал делать другие виды декоративной росписи, чтобы заработать на жизнь. Он также брал бесплатные уроки рисования в финансируемой городом художественной школе, которой руководил скульптор Луи-Дени Кайуот.
Используя подражание как средство обучения, девятнадцатилетний Ренуар начал изучать и копировать некоторые работы висящие в Лувре. Затем он поступил в школу изящных искусств, при знаменитом художественном училище, в 1862 году. Ренуар также стал учеником Шарля Глейра. В мастерской Глейра Ренуар вскоре подружился с тремя другими молодыми художниками: Фредерик Базиль, Клод Моне и Альфред Сислей. И через Моне, он встретил такие новые таланты, как Камиль Писсарро и Поль Сезанн.
В 1864 году, Ренуар добился выставки в ежегодном Парижском салоне. Там он показал картину "Эсмеральда", в которой он был вдохновлен персонажем из Виктора Гюго Нотр-Дам де Пари. В следующем году, Ренуар снова показался в престижном салоне, на этот раз показывая портрет Уильяма Сислея, богатого отца художника Альфреда Сислея.
В то время как его работы в Салоне помогли поднять его авторитет в мире искусства, Ренуару пришлось бороться, чтобы заработать себе на жизнь. Он искал заказы на портреты и часто зависел от доброты своих друзей, наставников и покровителей. Художник Жюль Ле Кер и его семья являлись убежденными сторонники Ренуара в течение многих лет. Ренуар также остался рядом с Моне, Базилем и Сислеем, иногда оставаясь у них дома или пользуясь их студиями. По мнению многих биографистов, он не имел фиксированного места проживания в начале своей карьеры.
Примерно в 1867 году Ренуар встретил Лиз Трехот, швею, которая стала его моделью. Она служила образцом для таких произведений, как «Диана» (1867 г.) и «Лиза» (1867 г.). У них завязались романтические отношения. По некоторым данным, она родила своего первого ребенка, дочь по имени Жанна, в 1870 году. Ренуар никогда публично не признавал свою дочь в течение всей жизни.
Ренуар был вынужден сделать перерыв в своей работе в 1870 году, так-как был призван в армию, чтобы служить в войне Франции против Германии. Он был назначен в кавалерийский отряд, но вскоре заболел дизентерией. Ренуар никогда не видел военных действий, в отличие от своего друга Базиля, который был убит в ноябре.
После окончания войны в 1871 году, Ренуар в конечном итоге вернулся обратно в Париж. Он и несколько его друзей, включая Писсарро, Моне, Сезанна и Эдгара Дега, решили показать свои работы самостоятельно в Париже в 1874 году, это стало известно как первая выставка импрессионистов. Название группы "импрессионисты" происходит от критического обзора их выставки, в котором работы назывались «впечатлениями», а не готовыми картинками, выполненными с использованием традиционных методов. Ренуар, как и другие импрессионисты, использовал более яркую палитру в своих картинах, что придало им более теплый и солнечный вид. Он также использовал различные типы мазков, чтобы показать свое художественное видение на холсте.
В то время как первая выставка импрессионистов не увенчалась успехом, Ренуар вскоре нашел других поддерживающих покровителей, чтобы продвинуть свою карьеру. Богатый издатель Жорж Шарпантье и его жена питали большой интерес к художнику и приглашали его на многочисленные общественные мероприятия в их Парижском доме. Через Шарпантье Ренуар встретил таких известных писателей, как Густав Флобер и Эмиль Зола. Он также получил портретные заказы от друзей. Его картина 1878 года «Мадам Шарпантье и ее дети» была представлена в официальном Салоне следующего года и принесла ему огромное критическое восхищение.
За счет доходов от его работ, Ренуар сделал несколько вдохновляющих поездок в начале 1880-х годов. Он посетил Алжир и Италию и провел время на юге Франции. В то время как в Неаполе, Италия, Ренуар работал над портретом знаменитого композитора Рихарда Вагнера. В это время он также нарисовал три своих шедевра: «Танец в стране», «Танец в городе» и «Танец на Бугивале».
Как только рост его славы стал неизбежным, Ренуар успокоился. Он наконец женился на своей давней подруге Алине Шариго в 1890 году. У пары уже был сын, Пьер, родившийся в 1885 году. Алине служила образцом для многих его работ, в том числе «Мать, кормящая своего ребенка» (1886 г.). Его растущая семья, с добавлением сыновей Джин в 1894 году и Клода в 1901 году, также послужила источником вдохновения для ряда картин.
Постарев, Ренуар продолжал использовать свой товарный знак - перистые мазки, чтобы изобразить первую очередь сельские и бытовые сцены. Его работа становилась все более и более физически сложной для художника. Ренуар впервые боролся с ревматизмом в середине 1890-х годов и болезнь преследует егодо конца жизни.
В 1907 году Ренуар купил немного земли в Кань-сюр-Мер, где он построил особняк для своей семьи. Он продолжал работать, рисуя всякий раз, как мог. Ревматизм изуродовал его руки, оставляя пальцы скрюченными. В 1912 году Ренуара постиг инсульт, который оставил его в коляске. Примерно в это же время он пробовал свои силы в скульптуре. Он работал с помощниками создавая работы, основанные на некоторых из его картин.
Всемирно известный Ренуар продолжал писать вплоть до своей смерти. Он жил достаточно долго, и увидел, что одну из его работ купил Лувр в 1919 году, это огромная честь для любого художника. Ренуар умер в декабре в своем доме в Кань-сюр-Мер, Франция. Он был похоронен рядом со своей женой, Алине (которая умерла в 1915 году), в своем родном городе Эссуа, Франция.
Помимо завещания более чем двухсот произведений искусства, Ренуар служил источником вдохновения для многих других художников: Пьер Боннард, Анри Матисс и Пабло Пикассо, это лишь немногие, кто ивлекли выгоду от художественного стиля и методов Ренуара.
Алина 2018-07-15 17:05:00 биографии художников
Родился в 1955 г. в Лондоне, Англия, Пол Симонон, вместе с Джо Страммером и Миком Джонсом, основали одну из первых английских панк-рок-групп The Clash. После распада группы в 1986 году, Симонон продолжал записывать музыку и также оставил свой след в искусстве как художник. В 2003 году The Clash была введена в Зал славы рок-н-ролла
Музыкант, художник, бас-гитарист новаторской английской панк-рок группы The Clash , Пол Симонон родился 15 декабря 1955 года в Лондоне, Англия. Воспитаный в среде среднего класса, Симонон, который в детстве посещал преимущественно черные школы, рано оценил душу ямайской музыки, которая позже повлияла на его работу в группе.
Его любовь к искусству, и очевидный талант, в конечном счете принесли стипендию в местной художественной школе. Но его страсть к музыке не затихла, и в начале 1970-х годов он играл в качестве басиста в панк-группе под названием London SS.
Благодаря этому он сформировал прочную дружбу с гитаристом группы Миком Джонсом. В 1976 году пара выступила в исполнении группы под названием 101ers. Во главе с певцом Джо Страммером группа заработала раннюю славу за то, что сыграла пару концертов с популярной британской панк-группой Sex Pistols.
Позже, в 1976 году Джонс, Симонон и Страммер были официально представлены их общим другом и потенциальным менеджером Берни Роудсом. Было решено создать группу The Clash. Название группы пришло от Симонона, который заметил, как часто термин «столкновение» использовался в издании газеты «Лондонский стандарт». Барабанщик Терри Чаймс присоединился к группе немного позже.
В январе 1977 года The Clash подписал контракт с CBS Records на 100 000 фунтов стерлингов. В апреле этого года вышел одноименный дебютный альбом группы, который был записан всего за три выходных дня.
Запись с будущими группами панк-рока, такими как «Белый бунт», «Мне так скучно с США» и «Burning» в Лондоне, быстро продвигает The Clash, которая проведет в следующем десятилетии в основном песни о революции и во славу рабочему классу.
Последующий альбом группы «Give It Emough Rope» (дайте им достаточно веревки), хит британских музыкальных магазинов в 1978 году. Примерно через год группа представила то, что многие рок-критики и поклонники считают лучшим альбомом The Clash, London Calling(Лондон зовет), двойное рекордное усилие, которое объединило лучшее из звука панк-рока 1970-х годов с утонченным уровнем лирики и умения, что помогло вступить в новое десятилетие.
В записи также был показан первый американский хит группы "Train in Vain" (поезд напрасно), а также самую известную композицию Симонона «The Guns of Brixton» (пушки Брикстон), которую он пел. "Роллинг Стоун" позже проголосовал за Лондон, назвав лучший альбом 1980-х годов.
Со своей стороны, художественная школа Симонона сыграла немалую роль в успехе группы. Значительная часть внешнего облика группы исходила от Симонона, от его ранней Джексон-Поллок-раскрашенной брызгами краски графикой и стилем до более позднего военного костюма.
Личный стиль Симонона и естественная внешность также помогли закрепить внешний вид группы. «Он был там, выглядел фантастическим ... ублюдком», - вспоминал Джонс позже.
Но слава, звездность и бешеная энергия группы к ее ремеслу вылились в конфликты. Напряженности между Джонсом и Страммером привели к выходу из группы первого. К сложностям добавились все более острые отношения с CBS Records. После шести альбомов и многих хит-синглов The Clash официально распался в 1986 году.
Но музыка группы никогда не отходила на второй план. Девять лет после того, как последний альбом группы был выпущен, один из его синглов, "Должен ли я остаться или я должен идти", был переиздан в Англии и выстрелил в верхней части чарта, что позволило «The Clash» стать единственным хитом номер один. В 2003 году группа была введена в Зал славы рок-н-ролла.
После развала The Clash Симонон продолжал активно участвовать в музыкальной жизни. Он создал новую группу под названием Havana 3am, которая выпустила только один альбом до распада. Позже он вошел в студию звукозаписи с Бобом Диланом, что вылилось в альбом Дилана Down in the Groove (1988 г.). Он также стал работать в качестве бас-гитариста в пост-Clash Джонса Big Audio Dynamite(большой Аудио Динамит).
В течение многих лет ходят слухи о возможном воссоединении The Clash. Эта спекуляция пришла к трагическому концу со смертью Страммера в 2002 году. В 2010 году Симонон и Джонс начали работу над новым биографическим фильмом на основе альбома Лондон зовет.
Спустя годы, после распада The Clash, Симонон вернулся к своим ранним художественным корням. Его работы регулярно выставлялись.
Симонон также оставался политически активным. В начале 2011 года был арестован во время работы в качестве повара на борту судна "Гринпис", который был частью контингента протестующих нефтяной вышке у берегов Гренландии.
«Мы штурмовали нефтяную вышку», - пересказал Симонон. «Они сказали, что если вы не сойдете ... мы собираемся связаться с властями в Гренландии и сказать, что вы захватили нефтяную вышку, полиция придет и арестует вас. И это в значительной степени то, что произошло".
Алина 2018-07-14 17:05:00 биографии художников
Художник Уильям Х. Джонсон родился в 1901 году во Флоренции, Южная Каролина. После принятия решения следовать за своей мечтой, став художником, он учился в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке и встретил своего наставника, Чарльза Вебстер Хоторна. После окончания университета Джонсон переехал в Париж, путешествовал по всей Европе, подвергался новым взглядам на виды художественного творчества и художников. По возвращении в США, Джонсон использовал примитивный стиль живописи, в сочетании с тем, что считается "народный" стиль, с использованием ярких цветов и двумерных фигур. Он провел свои последние 23 года жизни в психиатрической больнице в Центральный Ислипе, Нью-Йорк, где умер в 1970 году.
Художник Уильям Генри Джонсон родился 18 марта 1901 года в небольшом городке Флоренс, штат Южная Каролина, его родители Генри Джонсон и Алиса Смут оба были рабочими. Джонсон осознал свои мечты стать художником в молодом возрасте, копируя мультфильмы в детстве. Однако, будучи старшим из пяти детей в семье, которая жила в бедном, сегрегационном городе на юге, Джонсон спрятал свои стремления стать художником, считая их нереальными.
Но Джонсон, в возрасте 17 лет, наконец, покинул Южную Каролину в 1918 году, и поехал в Нью-Йорк за своей мечтой. Там он поступил в Национальную Академию дизайна и встретил Чарльза Вебстер Хоторна, известного художника, который взял Джонсона под свое крыло. В то время как Хоторн признал талант Джонсона, он знал, что Джонсону было бы трудно преуспеть в качестве афро-американского художника в Соединенных Штатах и, поэтому, собрал достаточно денег, чтобы отправить молодого художника в Париж в 1926 году.
После прибытия в Париж Уильям Х. Джонсон подвергся воздействию большого разнообразия искусства и культуры. Снимая студию на Французской Ривьере, Джонсон встретил других художников, которые повлияли на его стиль художественных работ, в том числе немецкий экспрессионист-скульптор Кристоф Волл. Благодаря Фолл Джонсон встретил художницу текстильной промышленности Холчи Краке, на которой он, в конце концов, женится.
Спустя несколько лет в Париже, в 1930 году, Джонсон отважился вернуться в Соединенные Штаты с вновь обретенным желанием зарекомендовать себя на арт-сцене его родной страны. Хотя его уникальная форма искусства была оценена, когда он вернулся в Соединенные Штаты, он был потрясен предрассудками, с которыми он столкнулся в своем родном городе.Там он был арестован за картину на местном здании, ставшим борделем. Вскоре после инцидента, разочарованый Джонсон уехал из Южной Каролины в Европу в очередной раз.
В конце 1930 года Джонсон переехал в Данию и женился на Краке. Если они не путешествовали по странам, таким как Северная Африка, Скандинавия, Тунис и другие части Европы для художественного вдохновения, то они сидели в тихом районе города Кертеминне, Дания. Однако мир длился недолго, растущая угроза Второй мировой войны и растущий нацизм привели к тому, что межрасовая пара перебралась в Нью-Йорк в 1938 году.
Хотя пара переехала, чтобы избежать конфликтов с фашистами, Уильям и Хольча по-прежнему сталкиваются с расизмом и дискриминацией, как межрасовая пара, живущая в США. Однако художественное сообщество Гарлема, Нью-Йорк, которое стало более просвещенным и экспериментальным после Возрождения Гарлема, приняло эту пару.
Примерно в это время, Джонсона взяли на работу в качестве учителя рисования в Гарлемском сообществе Арт-Центр, и он также продолжал создавать картины в свободное время. Переход от экспрессионизма к примитивному стилю произведения искусства, или примитивизму, работа Джонсона в это время отображается яркими цветами и двумерными объектами, и зачастую включала изображение афро-американской жизни в Гарлеме, на юге и в армии. Некоторые из этих работ, включая картины, изображающие чернокожих солдат, воюющих на линии фронта, а также сегрегацию, которая там проходила, служили комментариями к лечению афроамериканцев в армии США во время Второй мировой войны.
Его картины афро-американцев в США стали набирать внимание после того, как были продемонстрированы на выставках в начале 1940-х годов, прорыв в новое десятилетие ознаменовало начало нисходящей спирали для художника. В 1941 году для Джонсона была проведена персональная выставка в галереях Альма Рид. В следующем году, пожар уничтожил студию Джонсона, его произведения и материалы превратились в пепел. Спустя два года, в 1944 году, любимая жена Джонсона, Краке, умерла от рака молочной железы.
После смерти Краке, расстроенный художник стал умственно и физически нестабилен. Хотя его разум ускользал, Джонсон все еще создавал произведения искусства, которые будут цениться годами, в том числе его серия «Борцы за свободу», в которой представлены портреты известных американских лидеров, таких как Джордж Вашингтон и Авраам Линкольн.
Джонсон отправился из одного места в другое, пытаясь найти комфорт и стабильность после потери своей жены, сначала отправился в свой родной город Флоренция, Южная Каролина, затем в Гарлем и, наконец, в Данию в 1946 году. Однако в следующем году, Джонсон был госпитализирован в Норвегии из-за его растущего психического заболевания, вызванного сифилисом. Он был переведен в Центральную больницу Айлип, психиатрическое учреждение в Сентрал-Айлип на Лонг-Айленде, Нью-Йорк, где провел следующие 23 года своей жизни, вдали от внимания, от того внимания, которое получил за свои произведения. Он умер в 1970 году, во время длительного пребывания в больнице.
